Pablo Otriz Monasterio
“Volando bajo” de la serie: La Última Ciudad.
1995
Archival Pigment Print
Edición única, certificada, firmada frente y dorso, impresa por el artista.
120 x 90 cm
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Carlos Aguirre
2023
Construcción tridimensional de fotografías del autor, impresas sobre papel de algodón y ensambladas con madera, materiales arquitectónicos e imanes.
Edición única
47 x 126 cm
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Persia Campbell
Itinerario de una mujer en la frontera: “Cuarto Morado Obscuro (Auto Retrato)”
2020
Archival Pigment Print
Digital Photography - Hahnemühle
Photo Rag 308g
S | Ed. 5
65 x 36 cm
L | Ed.2
135 x 75 cm
M | Ed. 3
106 x 64 cm
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Persia Campbell
Itinerario de una mujer en la frontera: “Mujer, T.V. & Gato (Auto Retrato)”
2020
Archival Pigment Print
Digital Photography - Hahnemühle
Photo Rag 308g
S | Ed. 5
65 x 36 cm
L | Ed.2
135 x 75 cm
M | Ed. 3
106 x 59 cm
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Persia Campbell
Itinerario de una mujer en la frontera: “Espejo Azul (Auto Retrato)”
2020
Archival Pigment Print
Digital Photography - Hahnemühle
Photo Rag 308g
S | Ed. 5
65 x 36 cm
M | Ed.3
106 x 59 cm
L | Ed. 2
135 x 75 cm
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Bob Schalkwijk
Venta da Guajolotes en la Colonia Roma
1963
Única
Fotografía analógica en plata sobre gelatina certificada y realizada por el artista, firmada al reverso.
32 x 26 cm
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Bob Schalkwijk
Unidad Independencia
1964
Única
Fotografía analógica en plata sobre gelatina certificada y realizada por el artista, firmada al reverso.
26 x 32 cm
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Bob Schalkwijk
Avenida Paseo de la Reforma
1964
Única
Fotografía analógica en plata sobre gelatina certificada y realizada por el artista, firmada al reverso.
26 x 32 cm
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Bob Schalkwijk
Construcción Edificio Celanese
1968
Única
Fotografía analógica en plata sobre gelatina certificada y realizada por el artista, firmada al reverso.
26 x 32 cm
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Bob Schalkwijk
Colonia Juárez
1968
Única
Fotografía analógica en plata sobre gelatina certificada y realizada por el artista, firmada al reverso.
26 x 32 cm
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Bob Schalkwijk
Vendedor de Pan en la Feria de las Flores de San Ángel
1963
Única
Fotografía analógica en plata sobre gelatina certificada y realizada por el artista, firmada al reverso.
26 x 26 cm
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Bob Schalkwijk
Calle Gante, Centro Histórico
1963
Única
Fotografía analógica en plata sobre gelatina certificada y realizada por el artista, firmada al reverso.
26 x 32 cm
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Bob Schalkwijk
Avenida Paseo de la Reforma
1964
Única
Fotografía analógica en plata sobre gelatina certificada y realizada por el artista, firmada al reverso.
26 x 32 cm
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Bob Schalkwijk
Construcción Estadio Azteca
1964
Única
Fotografía analógica en plata sobre gelatina certificada y realizada por el artista, firmada al reverso.
26 x 32 cm
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Bob Schalkwijk
Calle Donceles, Centro Histórico
1963
Única
Fotografía analógica en plata sobre gelatina certificada y realizada por el artista, firmada al reverso.
26 x 32 cm
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Bob Schalkwijk
Barrio de la Merced
1970
Única
Fotografía analógica en plata sobre gelatina certificada y realizada por el artista, firmada al reverso.
26 x 32 cm
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Danila Tkachenko
Fragments №8. Peter Paul Rubens, The Rape of the Daughters of Leucippus.
2023
Archival Pigment Print
Ed. 4 + 1 A.P.
200 x 150 cm
Ed. 9 + 1 A.P.
120 x 90 cm
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Danila Tkachenko
Fragments №1. Franz Xaver Winterhalter, Florinda.
2023
Archival Pigment Print
Ed. 4 + 1 A.P.
200 x 150 cm
Ed. 9 + 1 A.P.
120 x 90 cm
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Danila Tkachenko
Fragments №10. Eugène Delacroix, The Death of Sardanapalus.
2023
Archival Pigment Print
Ed. 4 + 1 A.P.
200 x 150 cm
Ed. 9 + 1 A.P.
120 x 90 cm
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Danila Tkachenko
Fragments №2. Leonardo da Vinci, The Last Suppert.
2023
Archival Pigment Print
Ed. 4 + 1 A.P.
200 x 150 cm
Ed. 9 + 1 A.P.
120 x 90 cm
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Danila Tkachenko
Fragments №3. Pierre-Auguste Renoir, Les Grandes Baigneuses.
2023
Archival Pigment Print
Ed. 4 + 1 A.P.
200 x 150 cm
Ed. 9 + 1 A.P.
120 x 90 cm
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Danila Tkachenko
Fragments №4. Andrea Mantegna, Lamentation of Christ.
2023
Archival Pigment Print
Ed. 4 + 1 A.P.
200 x 150 cm
Ed. 9 + 1 A.P.
120 x 90 cm
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Danila Tkachenko
Fragments №5. Caravaggio, The Beheading of St John the Baptist.
2023
Archival Pigment Print
Ed. 4 + 1 A.P.
200 x 150 cm
Ed. 9 + 1 A.P.
120 x 90 cm
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Danila Tkachenko
Fragments №6. Leonardo da Vinci, Madonna Litta.
2023
Archival Pigment Print
Ed. 4 + 1 A.P.
200 x 150 cm
Ed. 9 + 1 A.P.
120 x 90 cm
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Danila Tkachenko
Fragments №7. Andrei Rublev, Trinity.
2023
Archival Pigment Print
Ed. 4 + 1 A.P.
200 x 150 cm
Ed. 9 + 1 A.P.
120 x 90 cm
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Danila Tkachenko
Fragments №9. Johannes Vermeer, Girl with a Pearl Earring.
2023
Archival Pigment Print
Ed. 4 + 1 A.P.
200 x 150 cm
Ed. 9 + 1 A.P.
120 x 90 cm
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Danila Tkachenko
Fragments №11. Leonardo da Vinci, Salvator Mundi.
2023
Archival Pigment Print
Ed. 4 + 1 A.P.
200 x 150 cm
Ed. 9 + 1 A.P.
120 x 90 cm
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Danila Tkachenko
Fragments №12. Nicolas Poussin, The Companions of Rinaldo.
2023
Archival Pigment Print
Ed. 4 + 1 A.P.
200 x 150 cm
Ed. 9 + 1 A.P.
120 x 90 cm
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Fernanda Roel
Ejercicios de Colaboración 2002-2024
Ejercicios de Colaboración
Fernanda Roel, México
Libro de artista ensamblado a mano de 26 x 26 cm, con impresiones finas sobre algodón de 23 x 23 cm c/u y cuaderno de textos en estuche de acrílico.
Ed. Limitada a 30 ejemplares certificados, firmados y numerados.
Colaboraciones de Fernanda Roel con: Francis Alÿs, Carlos Amorales, Abraham Cruzvillegas, Minerva Cuevas, Gabriel Kuri, Dr. Lakra, Gabriel Orozco, Damián Ortega, Pedro Reyes, Guillermo Santamarina, Melanie Smith, Sofía Táboas, Laureana Toledo y Pablo Vargas Lugo.
Intérprete: Luisa Sáenz.
Textos: Ery Cámara, Arturo Delgado, María Minera y
Fernanda Roel.
Diseño Editorial: RED
Encuadernación: Su Yin Wong.
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Edouard Taufenbach & Bastien Pourtout
Vincennes II (“Herbiers d’ombres”)
2023
Impresión analógica laminada sobre aluminio, marco de roble en caja de plexiglás
Ed. 3
40 x 40 cm
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Edouard Taufenbach & Bastien Pourtout
Vincennes XV (“Herbiers d’ombres”)
2023
Impresión analógica laminada sobre aluminio, marco de roble en caja de plexiglás
Ed. 3
40 x 40 cm
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Persia Campbell: Cabaret del Norte
La trayectoria de la joven fotógrafa Persia Campbell (Cd. Juárez, 1993) se ha enfocado en procesar la traumática experiencia de violencia cotidiana vivida como habitante de Ciudad Juárez, Chihuahua en la últimas décadas, y la problemática del feminicidio en particular, por medio de series fotográficas que ahondan en, y reconfiguran desde una mirada analítica, la cultura visual de la zona.
A partir de su formación tanto en las artes visuales así como en diseño de producción cinematográfica, Campbell recrea ambientes de épocas anteriores en la frontera en escenarios, cuidadosamente montados, registrados en fotografías de un denso contenido simbólico que recuerdan en su estilo, imaginería y uso de color a las pinturas hiperrealistas de Audrey Flack y las imágenes de tipos femeninos creadas por Cindy Sherman en los años setenta.
Las imágenes inquietantes provenientes de las series fotográficas tituladas Itinerario de una mujer en la frontera (2020) y Reminiscencias de Ciudad Juárez (2021) nos concientizan sobre los vínculos entre la memoria colectiva y la memoria y las vivencias personales, cuestionando la normalización de la violencia y su instauración por medio de la construcción de imaginarios a partir del cuerpo de la mujer y las ficciones sobre la identidad femenina. En su serie más reciente, Ficheras, Campbell busca reapropiarse desde una mirada íntima de las representaciones de mujeres en este género cinematográfico, que suelen caracterizarse por la misoginia y la explotación del cuerpo femenino. -Karen Cordero Reiman, Dra. en Historia del Arte, Yale (fragmento).
Persia Campbell (Ciudad Juárez, Chihuahua 1993). Artista, fotógrafa, cineasta y directora de arte es Maestra en Procesos Creativos - Dirección Artística por la UNAM y Licenciada en Artes Visuales por la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez. Miembro del Sistema Nacional Jóvenes Creadores (2020-2021 FONCA).
Persia obtuvo el Primer Lugar IPA (International Photography Awards, NYC), Lensculture Art Photography Awards 2021, “Female in Focus” del British Journal of Photography 1854. y Colors-Life framer” (Photography alliance by National Geographic, Sydney Morning Herald, The Guardian, Forbes seleccionada por Amaro, Centre Pompidou).
Su obra ha sido publicada por prensa global incluyendo The Guardian y se ha expuesto en el Museo Centro de la Imagen de la Secretaría de Cultura y Museo de San Ildefonso en “Creación en Movimiento” del FONCA. ALMANAQUE-fotográfica (Colima 101, Roma Norte) presenta actualmente su primera muestra individual que puede visitarse durante la semana de Zona MAco y todo febrero.
Fernanda Roel: Ejercicios de colaboración
Es un proyecto artístico de exploración colectiva que Fernanda Roel creó entre 2002 y 2009, integrando su oficio fotográfico con las prácticas visuales contemporáneas y el cuerpo humano.
Roel invitó a 14 artistas de la misma generación que no trabajaban con el cuerpo humano con el objetivo de extender su dinámica creativa habitual. Cada artista propuso, a partir de su propio lenguaje, el concepto para una sesión fotográfica, interpretada por una misma modelo. Roel capturó cada interpretación en fotografías análogas, en formato cuadrado con una cámara Hasselblad.
El cuidado en la selección de las fotografías de cada sesión, su impresión y diseño hacen de cada uno de los 30 ejemplares de este libro de artista una obra que pone en valor los procesos y colaboraciones y materializa los conceptos e ideas de una generación de artistas.
Fernanda Roel (Ciudad de México, 1975) es fotógrafa y directora creativa. Con licenciaturas en Fotografía por el London College of Printing and Distributive Trades, London institute (UK) y Diseño de Moda por el Estudio Artístico Degli Abíti (México), Fernanda ha realizado más de una decena de cursos y posgrados en fotografía y otras disciplinas artísticas, incluyendo: Workshop de Foto-Libro impartido por Bruno Ceschel, Gonzalo Golpe, Ramón Pez en Galeria Hydra (2016); Programa Integral de Fotografía, impartido por Abraham Cruzvillegas, Laureana Toledo, Katya Brailovsky y Silvia Gruner en el Centro de la Imagen (2001); así como Escenografía y vestuario para teatro en Central Saint Martins, UK (1998).
La práctica fluida de Fernanda en diversos estilos fotográficos, caracterizada por un apasionado cuidado de cada detalle, le ha permitido realizar innumerables proyectos para líderes de la industria musical, hotelera, televisiva, del automóvil y para medios globales, incluyendo estudios editoriales para Vogue, Elle y Harper’s Bazaar. Con más de dos décadas de oficio fotográfico, el trabajo artístico de Fernanda se ha expuesto en más de quince muestras individuales y colectivas en el Museo Experimental El Eco, Pinacoteca Diego Rivera Veracruz, ABC DF en Paseo de la Reforma y el Centro de la Imagen.
Bob Schalkwijk: Mexicanos 60’s
Los chilangos han sido y serán siempre diversos, dinámicos, trabajadores, modernos, tradicionales. Parece que las composiciones de los retratos de Bob capturan estilos artísticos del siglo XX: viñetas impresionistas de ciudadanos trabajando, construcciones como cuadros cubistas, esculturas de pan y puestos de mercado instalativos. Hay mujeres trabajando, niños jugando y la cotidiana presencia del campo en la ciudad que en el siglo XX y el XXI celebramos en la gran Tenochtitlán.
“En 1959 Bob Schalkwijk (Rotterdam, 1933) llegó a la Ciudad de México, una ciudad que lucía muy diferente a la nuestra pero al mismo tiempo muy parecida. Continuando la tradición de los fotógrafos de ciudad, Bob retrató hábilmente cómo la capital mexicana se transformaba en todos sus aspectos para volverse una gran capital moderna.
La Ciudad de México está hecha de capas, se ve en las piedras mexicas que sostienen edificios novohispanos, en los flamantes coches junto a edificaciones porfirianas o en modernos murales sobre casas hechas de lámina; se ve en sus habitantes, peregrinos, turistas, chilangos y en los muy pocos fotógrafos que la han sabido descifrar, uno de ellos es Bob Schalkwijk”. -Aldo Solano Rojas. Dr. Historia del Arte, UNAM (Fragmento).
Bob Schalkwijk (Rotterdam, 1933, vive en México desde 1959). Uno de los fotógrafos más prolíficos del mundo con oficio que abarca diversos estilos y temas para la prensa global,industria y gobiernos de todo el mundo, la obra de Schalkwijk se encuentra en las colecciones del museo nacional de fotografía Centro de la Imagen, Museo Amparo, el MoCA, el Ministerio de Cultura del Reino de los Países Bajos, así como en prestigiosas colecciones privadas.
Con motivo de su 90 aniversario, en 2023 la galería ALMANAQUE-fotográfica presentó su exitosa exposición individual: “D.F. 1960´s” curada por el Dr. Aldo Solano Rojas. La Secretaría de Cultura de México dedicó una magna exposición individual en el Centro de la Imagen y en las Rejas de Chapultepec, exponiendo también su obra en recintos de la República y Centro Cultural Los Pinos. Actualmente su obra se muestra en el Museo del Palacio de Bellas Artes dentro de la exposición Mexichrome, curada por el Dr. James Oles.
Danila Tkachenko: Fragmentos
Para esta serie (presentada por Almanaque en primicia para Zona Maco) Tkachenko escogió una conjunto de pinturas antiguas—en sus palabras: del período pre-digital—que describen tragedias con protagonistas femeninas que luego reprografió y recortó en fragmentos, construyendo enormes instalaciones en los salares de Uyuni, Bolivia para ser fotografiadas.
En sus escenificaciones, Tkachenko borra el contexto de las obras pintadas por maestros de los siglos XVII y XIX, para redimir a las retratadas: Florinda y sus compañeras se salvan de la conspiración, las hijas de Leucipo son rescatadas del rapto de Cástor y Pólux, mientras que Sardanápulo es sustraído del cuadro que representa su deseo tiránico de destruir su imperio al saber que moriría. Así, en las reinterpretaciones de la historia mitológica según Tkachenko, las sobrevivientes son finalmente las mujeres.
Al inicio de su carrera, Tkachencko fotografió los vestigios congelados de la era soviética en su milti-premiada serie Restricted Areas. Para sus series posteriores él mismo construyó elaboradas instalaciones de land-art cubriendo iglesias ortodoxas con plástico negro en Monuments o quemó enormes símbolos rusos para Mother Land en medio del basto campo ruso. Para su serie Heroes desenterró huesos de disidentes políticos y en Oasis, escenificó la promesa del camino al Edén con inquietantes procesiones en el desierto de Qatar. Con su práctica reconstruye la historia en sus propios términos simbólicos, monumentales y heráldicos.
Danila Tkachenko, Rusia, 1989. (Vive como artista refugiado en Italia).
En mayo de 2022, Tachenko inició el proyecto Acción fallida colocando 140 granadas de humo azul y amarillo en la fortaleza del Kremlin como protesta contra la guerra entre Rusia y Ucrania. Las autoridades boicotearon la acción pacifista y le abrieron un proceso judicial, desde entonces el artista vive como artista refugiado en Italia.
Graduado por la Escuela de Fotografía Rodchenko de Moscú, Tkachenko es ganador del World Press Photo, European Publishers Award, LensCulture Exposure, Voices Off Festival Arles, Burn Magazine, Foam Talent Fotografiemuseum Amsterdam, 30 under 30 by Magnum Photo y The Center Choice Award. , (2014-2018) entre muchos otros.
Con un profundo interés en la Historia, la patria, la religión y la monumentalidad, su trabajo pertenece a algunas de las colecciones de fotografía más importantes del mundo, ha sido mostrado y revisado por BBC Culture, The Guardian, El País, The British Journal of Fotografía y The New York Times.
Edouard Taufenbach & Bastien Pourtout: Herbolaria de sombras.
La pareja explora los sitios que la inspiran: jardines, bosques, senderos o situaciones aparentemente cotidianas que se revelan a su observación. En este proceso, uno de ellos sostiene una sábana blanca para ocultar el paisaje y aislar el detalle supuestamente cautivador. La tela sirve como caballete del lienzo, apareciendo en la imagen de uno de ellos apenas las manos y las piernas. El otro, de cara a la escena, la encuadra con la cámara analógica (Rolleiflex) y dispara. Luego cambian de roles; el fotógrafo se convierte en intérprete y el intérprete se convierte en fotógrafo. La alternancia entre estas dos acciones desdibuja el parentesco de la obra. Resultado de la sensibilidad compartida, es, para ellos, una respuesta a la pregunta que enfrenta todo colectivo: cómo co-crear juntos.
Más allá de esta creación colaborativa entre dos individuos, también existe una colaboración con la naturaleza. A veces, la tela blanca estalla de brillo, y otras veces, se satura de sombras. En la infinita variación de proyecciones, esta configuración revela la impermanencia del mundo, la naturaleza frágil de las cosas y el vano intento de suspender el tiempo.
Edouard Taufenbach y Bastien Pourtout. Francia, 1988 y 1982.
Taufenbach es Maestro en Artes y Medios Digitales y Licenciado en Cine por La Sorbona (FR). Pourtout es Maestro en Fotografía y Arte Contemporáneo por París VIII – Saint-Denis FR y Maestro en Historia Social por París X – Nanterre (FR). Durante el confinamiento de 2020, Taufenbach comenzó a trabajar en dúo con Pourtout después de ganar la residencia artística pionera La Villa Medici en Roma, donde crearon Le Bleu du Ciel, ganando posteriormente con la misma serie el Swiss Life Award for Contemporary Art 2021.
Taufenbach es artista invitado en UAL, Camberwell College of Arts y participó en la exposición colectiva Moving The Image. En febrero de 2020, ALMANAQUE mostró la obra de Taufenbach en la exposición “Mirage”, curada por Arturo Delgado. El mismo año publicó su libro “L'Image dans le miroir” editado por Maison L'Artier Paris. Han expuesto en museos nacionales y muestras internacionales.
Sus trabajos han sido publicados por BBC, The Guardian, The New York Times, Le Monde, Vogue Paris, Vanity Fair, The British Journal of Photography, L'Œil de la Photographie y Le Figaro, entre muchos otros.
Pablo Ortiz Monasterio: Volando Bajo, de la serie: La Última Ciudad
La última ciudad no es otra que México D.F. La mirada del fotógrafo lleva a este fantástico libro publicado en 1995 y uno de los clásicos de la fotografía latinoamericana de los últimos años a mostrarnos lo que el ojo busca y detecta sin ponernos en ninguna posición, solo en la duda de lo que la propia fotografía nos ofrece.
En su icónica imagen Volando Bajo, que el propio Pablo produjo esta copia única especialmente para el XX aniversario de Zona Maco: “un pandillero vuela para cruzar una zanja. Una brecha, un vacío. El joven mira hacia abajo, hacia el fondo, sin miedo, más bien divertido… Su chamarra de cuero con zippers y argollas con un pin de Robert Smith de The Cure prendido en la solapa, sin camisa: el torso flaco y desnudo al aire, los pantalones ajustados con rasgaduras en las rodillas. Las botas militares o de leñador por encima de los tobillos. Como si ese joven con los cabellos negros, hirsutos y propositivamente desarreglados, se hubiera lanzado bajo la amenaza de una enorme pistola pintada en la pared.
Todo parece indicar que los punks, nacidos de la clase trabajadora de Inglaterra como rechazo a las pobres normas de sus padres, han encontrado su equivalente entre nosotros. Nuestros pandilleros también están un poco indefensos”. - Hernán Lara Zavala (fragmento)
Pablo Ortiz-Monasterio, México, 1952.
Autor, editor, promotor, maestro y artista. En el transcurso de sus cuarenta años de carrera, Ortiz-Monasterio ha expuesto en numerosas exposiciones de todo el mundo. En México su obra ha merecido exposiciones individuales en el Palacio Bellas Artes, el Museo de Arte Moderno y el Centro de la Imagen, por nombrar solo algunos, así como en museos nacionales de EU, Brasil, Argentina, Venezuela, Ecuador, Cuba, España, Reino Unido, Francia, Holanda, Portugal e Italia.
Fundador del Museo Nacional de Fotografía de México «Centro de la Imagen», la obra de Ortiz-Monasterio pertenece a las colecciones del MoMA NYC, Centre Pompidou, MACBA, Centro de la Imagen y el Instituto Nacional de Bellas Artes entre muchos otros. Su libro “La última ciudad", con un texto de José Emilio Pacheco (Premio Miguel de Cervantes), ganó el Best Photo Book del Spring Photo Fest Barcelona y The Gold Eye Award del Festival des Trois Continents.
En 2019, Ortiz-Monasterio fue acreedor a la Medalla al Mérito Fotográfico del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México (INAH), el reconocimiento más relevante a la disciplina.
(Edición única, certificada, firmada en el anverso y reverso, impresa por el artista).
Carlos Aguirre: Metagrafías
Benjamin H. D. Buchloh señaló en Reificación Cósmica (Turner - Conaculta 2014) que uno de los cambios de la práctica fotográfica realizada por los artistas contemporáneos es el desarrollo de nuevas estrategias que forman colecciones de sistemas semánticos o arquitectónicos encontrados (p.ej. Bernd & Hilla Becher, Ed. Ruscha). Por ello, asumiendo la imposibilidad del propósito original de la fotografía —de ser un reflejo fidedigno de una realidad en su conjunto— la fotografía contemporánea sólo podría documentar y representar una sobreproducción de objetos en expansión perpetua y cada vez más fuera de control.
Así como László Moholy-Nagy concibió en los 1920’s sus photograms para retar a la llamada verdad óptica reclamada a los fotógrafos de entonces, las Metagrafías de Carlos Aguirre, aluden desde su título a la intención de trascender la producción artística disciplinar, insinuando una guía que es al mismo tiempo una provocación.
Compuestas por una acumulación de fragmentos fotográficos, ensamblados meticulosamente en collages que parecerían maquetas arquitectónicas utópicas o el andamiaje de un metaverso cuyo basamento apenas que se construye en nuestros días; sus Metagrafías son intrínsecamente inclasificables.
Estas obras, además de constituir una acumulación de fragmentos y materiales fotográficos, existen como objetos únicos que se rehúsan a la reproductividad ad-infinitum propia de la foto. En ellas coinciden el dominio de la técnica fotográfica, escultórica e instalativa. El espectador las observa dentro de una caja colgada en la pared, como si se tratara de una pintura que, sin serlo exactamente, súbitamente pasará de un plano bidimensional a la tercera dimensión; tal y como nos promete la realidad digital que será el futuro en un mundo virtualmente paralelo.
Las Metagrafías de Aguirre por la forma en la que están construidas se revelan como esculturas o instalaciones encapsuladas para retratar un todo a partir de la fragmentación. En este cuerpo de obras accedemos a viajes completos, desde el despegue hasta el destino; a espacios domésticos vistos desde distintos planos; o al encierro y sus distintas posibilidades de libertad como una forma de paisajes digitales zen para orientarnos en el caos. Sus pliegues, imágenes, texturas y escalas generan sombras, trazos, ritmos y perspectivas con movimiento, como una imaginario vivo que se resiste al óbito.
La larga y amplia trayectoria multidisciplinar de Aguirre, en la que ha desarrollado gráfica, dibujo, escultura, instalación y fotografía, se caracteriza por la constante búsqueda de experimentación formal y material, colocándolo como uno de los artistas más innovadores e influyentes para el arte conceptual en México.
Carlos Aguirre, Acapulco, 1948,
Es uno de los artistas visuales más destacados y prolíficos de México. Diseñador Industrial con maestría en la School of Art and Design en Londres, GB; representó a México en las Bienales de arte de París 1982, São Paulo 1985 y 1998. En 1994 recibió la prestigiosa Beca Guggenheim.
Su larga trayectoria como artista visual que abarca: dibujo, pintura, escultura, instalación y fotografía, se caracteriza por la búsqueda permanente de nuevos lenguajes, el cuestionamiento de las fronteras disciplinares, así como la experimentación constante con materiales y técnicas.
Su obra se ha presentado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en museos y galerías nacionales e internacionales. En 2015 el Museo de Arte Moderno de México, le organizó la exposición individual retrospectiva: “Zona de riesgo” curada por la historiadora de arte Pilar García del Museo Universitario de Arte Contemporáneo, MUAC y es Miembro del Sistema Nacional de las Artes de México. En 2023 el Seminario de Cultura Mexicana le dedicó la exposición individual: Obra Reciente. Actualmente su icónica obra recibe a los visitantes de la muestra colectiva del MUAC UNAM “Genealogías y disidencias”. Este 2024, se publica su libro retrospectivo: Zona de Riesgo editado por la UAM
La constante búsqueda de experimentación formal y el rigor en la factura de su ininterrumpida producción artística, colocan a Carlos como uno de los artistas más innovadores y precursores del arte conceptual y contemporáneo de Latinoamérica.
