PHOTO LONDON 2022

Benjamin H. D. Buchloh señaló en Reificación Cósmica (Turner - Conaculta 2014) que uno de los cambios de la práctica fotográfica realizada por los artistas contemporáneos es el desarrollo de nuevas estrategias que forman colecciones de sistemas semánticos o arquitectónicos encontrados (p.ej. Bernd & Hilla Becher, Ed. Ruscha). Por ello, asumiendo la imposibilidad del propósito original de la fotografía —de ser un reflejo fidedigno de una realidad en su conjunto— la fotografía contemporánea sólo podría documentar y representar una sobreproducción de objetos en expansión perpetua y cada vez más fuera de control. Así como László Moholy-Nagy concibió en los 1920’s sus photograms para retar a la llamada verdad óptica reclamada a los fotógrafos de entonces, las Metagrafías de Carlos Aguirre, aluden desde su título a la intención de trascender la producción artística disciplinar, insinuando una guía que es al mismo tiempo una provocación. Compuestas por una acumulación de fragmentos fotográficos, ensamblados meticulosamente en collages que parecerían maquetas arquitectónicas utópicas o el andamiaje de un metaverso cuyo basamento apenas que se construye en nuestros días; sus Metagrafías son intrínsecamente inclasificables. Estas obras, además de constituir una acumulación de fragmentos y materiales fotográficos, existen como objetos únicos que se rehúsan a la reproductividad ad-infinitum propia de la foto. En ellas coinciden el dominio de la técnica fotográfica, escultórica e instalativa. El espectador las observa dentro de una caja colgada en la pared, como si se tratara de una pintura que, sin serlo exactamente, súbitamente pasará de un plano bidimensional a la tercera dimensión; tal y como nos promete la realidad digital que será el futuro en un mundo virtualmente paralelo. Las Metagrafías de Aguirre por la forma en la que están construidas se revelan como esculturas o instalaciones encapsuladas para retratar un todo a partir de la fragmentación. En este cuerpo de obras accedemos a viajes completos, desde el despegue hasta el destino; a espacios domésticos vistos desde distintos planos; o al encierro y sus distintas posibilidades de libertad como una forma de paisajes digitales zen para orientarnos en el caos. Sus pliegues, imágenes, texturas y escalas generan sombras, trazos, ritmos y perspectivas con movimiento, como una imaginario vivo que se resiste al óbito. La larga y amplia trayectoria multidisciplinar de Aguirre, en la que ha desarrollado gráfica, dibujo, escultura, instalación y fotografía, se caracteriza por la constante búsqueda de experimentación formal y material, colocándolo como uno de los artistas más innovadores e influyentes para el arte conceptual en México. Arturo Delgado, fundador de ALMANAQUE

Benjamin H. D. Buchloh señaló en Reificación Cósmica (Turner - Conaculta 2014) que uno de los cambios de la práctica fotográfica realizada por los artistas contemporáneos es el desarrollo de nuevas estrategias que forman colecciones de sistemas semánticos o arquitectónicos encontrados (p.ej. Bernd & Hilla Becher, Ed. Ruscha). Por ello, asumiendo la imposibilidad del propósito original de la fotografía —de ser un reflejo fidedigno de una realidad en su conjunto— la fotografía contemporánea sólo podría documentar y representar una sobreproducción de objetos en expansión perpetua y cada vez más fuera de control. Así como László Moholy-Nagy concibió en los 1920’s sus photograms para retar a la llamada verdad óptica reclamada a los fotógrafos de entonces, las Metagrafías de Carlos Aguirre, aluden desde su título a la intención de trascender la producción artística disciplinar, insinuando una guía que es al mismo tiempo una provocación. Compuestas por una acumulación de fragmentos fotográficos, ensamblados meticulosamente en collages que parecerían maquetas arquitectónicas utópicas o el andamiaje de un metaverso cuyo basamento apenas que se construye en nuestros días; sus Metagrafías son intrínsecamente inclasificables. Estas obras, además de constituir una acumulación de fragmentos y materiales fotográficos, existen como objetos únicos que se rehúsan a la reproductividad ad-infinitum propia de la foto. En ellas coinciden el dominio de la técnica fotográfica, escultórica e instalativa. El espectador las observa dentro de una caja colgada en la pared, como si se tratara de una pintura que, sin serlo exactamente, súbitamente pasará de un plano bidimensional a la tercera dimensión; tal y como nos promete la realidad digital que será el futuro en un mundo virtualmente paralelo. Las Metagrafías de Aguirre por la forma en la que están construidas se revelan como esculturas o instalaciones encapsuladas para retratar un todo a partir de la fragmentación. En este cuerpo de obras accedemos a viajes completos, desde el despegue hasta el destino; a espacios domésticos vistos desde distintos planos; o al encierro y sus distintas posibilidades de libertad como una forma de paisajes digitales zen para orientarnos en el caos. Sus pliegues, imágenes, texturas y escalas generan sombras, trazos, ritmos y perspectivas con movimiento, como una imaginario vivo que se resiste al óbito. La larga y amplia trayectoria multidisciplinar de Aguirre, en la que ha desarrollado gráfica, dibujo, escultura, instalación y fotografía, se caracteriza por la constante búsqueda de experimentación formal y material, colocándolo como uno de los artistas más innovadores e influyentes para el arte conceptual en México. Arturo Delgado, fundador de ALMANAQUE

Benjamin H. D. Buchloh señaló en Reificación Cósmica (Turner - Conaculta 2014) que uno de los cambios de la práctica fotográfica realizada por los artistas contemporáneos es el desarrollo de nuevas estrategias que forman colecciones de sistemas semánticos o arquitectónicos encontrados (p.ej. Bernd & Hilla Becher, Ed. Ruscha). Por ello, asumiendo la imposibilidad del propósito original de la fotografía —de ser un reflejo fidedigno de una realidad en su conjunto— la fotografía contemporánea sólo podría documentar y representar una sobreproducción de objetos en expansión perpetua y cada vez más fuera de control. Así como László Moholy-Nagy concibió en los 1920’s sus photograms para retar a la llamada verdad óptica reclamada a los fotógrafos de entonces, las Metagrafías de Carlos Aguirre, aluden desde su título a la intención de trascender la producción artística disciplinar, insinuando una guía que es al mismo tiempo una provocación. Compuestas por una acumulación de fragmentos fotográficos, ensamblados meticulosamente en collages que parecerían maquetas arquitectónicas utópicas o el andamiaje de un metaverso cuyo basamento apenas que se construye en nuestros días; sus Metagrafías son intrínsecamente inclasificables. Estas obras, además de constituir una acumulación de fragmentos y materiales fotográficos, existen como objetos únicos que se rehúsan a la reproductividad ad-infinitum propia de la foto. En ellas coinciden el dominio de la técnica fotográfica, escultórica e instalativa. El espectador las observa dentro de una caja colgada en la pared, como si se tratara de una pintura que, sin serlo exactamente, súbitamente pasará de un plano bidimensional a la tercera dimensión; tal y como nos promete la realidad digital que será el futuro en un mundo virtualmente paralelo. Las Metagrafías de Aguirre por la forma en la que están construidas se revelan como esculturas o instalaciones encapsuladas para retratar un todo a partir de la fragmentación. En este cuerpo de obras accedemos a viajes completos, desde el despegue hasta el destino; a espacios domésticos vistos desde distintos planos; o al encierro y sus distintas posibilidades de libertad como una forma de paisajes digitales zen para orientarnos en el caos. Sus pliegues, imágenes, texturas y escalas generan sombras, trazos, ritmos y perspectivas con movimiento, como una imaginario vivo que se resiste al óbito. La larga y amplia trayectoria multidisciplinar de Aguirre, en la que ha desarrollado gráfica, dibujo, escultura, instalación y fotografía, se caracteriza por la constante búsqueda de experimentación formal y material, colocándolo como uno de los artistas más innovadores e influyentes para el arte conceptual en México. Arturo Delgado, fundador de ALMANAQUE

Benjamin H. D. Buchloh señaló en Reificación Cósmica (Turner - Conaculta 2014) que uno de los cambios de la práctica fotográfica realizada por los artistas contemporáneos es el desarrollo de nuevas estrategias que forman colecciones de sistemas semánticos o arquitectónicos encontrados (p.ej. Bernd & Hilla Becher, Ed. Ruscha). Por ello, asumiendo la imposibilidad del propósito original de la fotografía —de ser un reflejo fidedigno de una realidad en su conjunto— la fotografía contemporánea sólo podría documentar y representar una sobreproducción de objetos en expansión perpetua y cada vez más fuera de control. Así como László Moholy-Nagy concibió en los 1920’s sus photograms para retar a la llamada verdad óptica reclamada a los fotógrafos de entonces, las Metagrafías de Carlos Aguirre, aluden desde su título a la intención de trascender la producción artística disciplinar, insinuando una guía que es al mismo tiempo una provocación. Compuestas por una acumulación de fragmentos fotográficos, ensamblados meticulosamente en collages que parecerían maquetas arquitectónicas utópicas o el andamiaje de un metaverso cuyo basamento apenas que se construye en nuestros días; sus Metagrafías son intrínsecamente inclasificables. Estas obras, además de constituir una acumulación de fragmentos y materiales fotográficos, existen como objetos únicos que se rehúsan a la reproductividad ad-infinitum propia de la foto. En ellas coinciden el dominio de la técnica fotográfica, escultórica e instalativa. El espectador las observa dentro de una caja colgada en la pared, como si se tratara de una pintura que, sin serlo exactamente, súbitamente pasará de un plano bidimensional a la tercera dimensión; tal y como nos promete la realidad digital que será el futuro en un mundo virtualmente paralelo. Las Metagrafías de Aguirre por la forma en la que están construidas se revelan como esculturas o instalaciones encapsuladas para retratar un todo a partir de la fragmentación. En este cuerpo de obras accedemos a viajes completos, desde el despegue hasta el destino; a espacios domésticos vistos desde distintos planos; o al encierro y sus distintas posibilidades de libertad como una forma de paisajes digitales zen para orientarnos en el caos. Sus pliegues, imágenes, texturas y escalas generan sombras, trazos, ritmos y perspectivas con movimiento, como una imaginario vivo que se resiste al óbito. La larga y amplia trayectoria multidisciplinar de Aguirre, en la que ha desarrollado gráfica, dibujo, escultura, instalación y fotografía, se caracteriza por la constante búsqueda de experimentación formal y material, colocándolo como uno de los artistas más innovadores e influyentes para el arte conceptual en México. Arturo Delgado, fundador de ALMANAQUE

Benjamin H. D. Buchloh señaló en Reificación Cósmica (Turner - Conaculta 2014) que uno de los cambios de la práctica fotográfica realizada por los artistas contemporáneos es el desarrollo de nuevas estrategias que forman colecciones de sistemas semánticos o arquitectónicos encontrados (p.ej. Bernd & Hilla Becher, Ed. Ruscha). Por ello, asumiendo la imposibilidad del propósito original de la fotografía —de ser un reflejo fidedigno de una realidad en su conjunto— la fotografía contemporánea sólo podría documentar y representar una sobreproducción de objetos en expansión perpetua y cada vez más fuera de control. Así como László Moholy-Nagy concibió en los 1920’s sus photograms para retar a la llamada verdad óptica reclamada a los fotógrafos de entonces, las Metagrafías de Carlos Aguirre, aluden desde su título a la intención de trascender la producción artística disciplinar, insinuando una guía que es al mismo tiempo una provocación. Compuestas por una acumulación de fragmentos fotográficos, ensamblados meticulosamente en collages que parecerían maquetas arquitectónicas utópicas o el andamiaje de un metaverso cuyo basamento apenas que se construye en nuestros días; sus Metagrafías son intrínsecamente inclasificables. Estas obras, además de constituir una acumulación de fragmentos y materiales fotográficos, existen como objetos únicos que se rehúsan a la reproductividad ad-infinitum propia de la foto. En ellas coinciden el dominio de la técnica fotográfica, escultórica e instalativa. El espectador las observa dentro de una caja colgada en la pared, como si se tratara de una pintura que, sin serlo exactamente, súbitamente pasará de un plano bidimensional a la tercera dimensión; tal y como nos promete la realidad digital que será el futuro en un mundo virtualmente paralelo. Las Metagrafías de Aguirre por la forma en la que están construidas se revelan como esculturas o instalaciones encapsuladas para retratar un todo a partir de la fragmentación. En este cuerpo de obras accedemos a viajes completos, desde el despegue hasta el destino; a espacios domésticos vistos desde distintos planos; o al encierro y sus distintas posibilidades de libertad como una forma de paisajes digitales zen para orientarnos en el caos. Sus pliegues, imágenes, texturas y escalas generan sombras, trazos, ritmos y perspectivas con movimiento, como una imaginario vivo que se resiste al óbito. La larga y amplia trayectoria multidisciplinar de Aguirre, en la que ha desarrollado gráfica, dibujo, escultura, instalación y fotografía, se caracteriza por la constante búsqueda de experimentación formal y material, colocándolo como uno de los artistas más innovadores e influyentes para el arte conceptual en México. Arturo Delgado, fundador de ALMANAQUE

Benjamin H. D. Buchloh señaló en Reificación Cósmica (Turner - Conaculta 2014) que uno de los cambios de la práctica fotográfica realizada por los artistas contemporáneos es el desarrollo de nuevas estrategias que forman colecciones de sistemas semánticos o arquitectónicos encontrados (p.ej. Bernd & Hilla Becher, Ed. Ruscha). Por ello, asumiendo la imposibilidad del propósito original de la fotografía —de ser un reflejo fidedigno de una realidad en su conjunto— la fotografía contemporánea sólo podría documentar y representar una sobreproducción de objetos en expansión perpetua y cada vez más fuera de control. Así como László Moholy-Nagy concibió en los 1920’s sus photograms para retar a la llamada verdad óptica reclamada a los fotógrafos de entonces, las Metagrafías de Carlos Aguirre, aluden desde su título a la intención de trascender la producción artística disciplinar, insinuando una guía que es al mismo tiempo una provocación. Compuestas por una acumulación de fragmentos fotográficos, ensamblados meticulosamente en collages que parecerían maquetas arquitectónicas utópicas o el andamiaje de un metaverso cuyo basamento apenas que se construye en nuestros días; sus Metagrafías son intrínsecamente inclasificables. Estas obras, además de constituir una acumulación de fragmentos y materiales fotográficos, existen como objetos únicos que se rehúsan a la reproductividad ad-infinitum propia de la foto. En ellas coinciden el dominio de la técnica fotográfica, escultórica e instalativa. El espectador las observa dentro de una caja colgada en la pared, como si se tratara de una pintura que, sin serlo exactamente, súbitamente pasará de un plano bidimensional a la tercera dimensión; tal y como nos promete la realidad digital que será el futuro en un mundo virtualmente paralelo. Las Metagrafías de Aguirre por la forma en la que están construidas se revelan como esculturas o instalaciones encapsuladas para retratar un todo a partir de la fragmentación. En este cuerpo de obras accedemos a viajes completos, desde el despegue hasta el destino; a espacios domésticos vistos desde distintos planos; o al encierro y sus distintas posibilidades de libertad como una forma de paisajes digitales zen para orientarnos en el caos. Sus pliegues, imágenes, texturas y escalas generan sombras, trazos, ritmos y perspectivas con movimiento, como una imaginario vivo que se resiste al óbito. La larga y amplia trayectoria multidisciplinar de Aguirre, en la que ha desarrollado gráfica, dibujo, escultura, instalación y fotografía, se caracteriza por la constante búsqueda de experimentación formal y material, colocándolo como uno de los artistas más innovadores e influyentes para el arte conceptual en México. Arturo Delgado, fundador de ALMANAQUE

“Marzo 2020. La Ciudad Eterna; Roma, está desierta, confinada. Solo cuatro artistas rondan por la Villa Médici en un encierro artístico más hondo que nunca. Entre ellos, los artistas de la fotografía Edouard Taufenbach y Bastien Pourtout observan en este inédito episodio de tiempo suspendido la llegada paulatina de las golondrinas. Intrigados por estas aves —que no existentes en estado salvaje sino en convivencia humana— deciden capturar su vuelo, un movimiento de libertad tanto en este período sin precedentes como por siempre. Arriba del cerco se suceden los momentos robados a estos grandes migrantes, a veces recortados, desdibujados o detallados en lo que parece un cielo monocromático, pero el azul lavanda intenso pasa al gris pardo, al dorado o a un naranja fuego. Los colores del cielo llegan como un llamado a observar mejor la granularidad de nuestro mundo. El cuerpo de obra fue galardonado con el prestigioso premio “À quatre mains Swiss Life” (SwissLife Banque Privée), que premió al dúo fotográfico y al maestro Régis Campo, quien compuso dos piezas musicales para la serie. La secuenciación entrecortada del vuelo circular de las golondrinas con movimientos arremolinados de una música repetitiva, circula y abraza las obras…” Sara Huhounenq, Beaux Arts Magazine, Paris. Le Bleu du Ciel de Taufenbach se ha exhibido en Roubaix, Arles, Burdeos y recientemente en La Galerie Nationale Jeu de Paume de París, como parte.

“Marzo 2020. La Ciudad Eterna; Roma, está desierta, confinada. Solo cuatro artistas rondan por la Villa Médici en un encierro artístico más hondo que nunca. Entre ellos, los artistas de la fotografía Edouard Taufenbach y Bastien Pourtout observan en este inédito episodio de tiempo suspendido la llegada paulatina de las golondrinas. Intrigados por estas aves —que no existentes en estado salvaje sino en convivencia humana— deciden capturar su vuelo, un movimiento de libertad tanto en este período sin precedentes como por siempre. Arriba del cerco se suceden los momentos robados a estos grandes migrantes, a veces recortados, desdibujados o detallados en lo que parece un cielo monocromático, pero el azul lavanda intenso pasa al gris pardo, al dorado o a un naranja fuego. Los colores del cielo llegan como un llamado a observar mejor la granularidad de nuestro mundo. El cuerpo de obra fue galardonado con el prestigioso premio “À quatre mains Swiss Life” (SwissLife Banque Privée), que premió al dúo fotográfico y al maestro Régis Campo, quien compuso dos piezas musicales para la serie. La secuenciación entrecortada del vuelo circular de las golondrinas con movimientos arremolinados de una música repetitiva, circula y abraza las obras…” Sara Huhounenq, Beaux Arts Magazine, Paris. Le Bleu du Ciel de Taufenbach se ha exhibido en Roubaix, Arles, Burdeos y recientemente en La Galerie Nationale Jeu de Paume de París, como parte.

“Marzo 2020. La Ciudad Eterna; Roma, está desierta, confinada. Solo cuatro artistas rondan por la Villa Médici en un encierro artístico más hondo que nunca. Entre ellos, los artistas de la fotografía Edouard Taufenbach y Bastien Pourtout observan en este inédito episodio de tiempo suspendido la llegada paulatina de las golondrinas. Intrigados por estas aves —que no existentes en estado salvaje sino en convivencia humana— deciden capturar su vuelo, un movimiento de libertad tanto en este período sin precedentes como por siempre. Arriba del cerco se suceden los momentos robados a estos grandes migrantes, a veces recortados, desdibujados o detallados en lo que parece un cielo monocromático, pero el azul lavanda intenso pasa al gris pardo, al dorado o a un naranja fuego. Los colores del cielo llegan como un llamado a observar mejor la granularidad de nuestro mundo. El cuerpo de obra fue galardonado con el prestigioso premio “À quatre mains Swiss Life” (SwissLife Banque Privée), que premió al dúo fotográfico y al maestro Régis Campo, quien compuso dos piezas musicales para la serie. La secuenciación entrecortada del vuelo circular de las golondrinas con movimientos arremolinados de una música repetitiva, circula y abraza las obras…” Sara Huhounenq, Beaux Arts Magazine, Paris. Le Bleu du Ciel de Taufenbach se ha exhibido en Roubaix, Arles, Burdeos y recientemente en La Galerie Nationale Jeu de Paume de París, como parte.

“Marzo 2020. La Ciudad Eterna; Roma, está desierta, confinada. Solo cuatro artistas rondan por la Villa Médici en un encierro artístico más hondo que nunca. Entre ellos, los artistas de la fotografía Edouard Taufenbach y Bastien Pourtout observan en este inédito episodio de tiempo suspendido la llegada paulatina de las golondrinas. Intrigados por estas aves —que no existentes en estado salvaje sino en convivencia humana— deciden capturar su vuelo, un movimiento de libertad tanto en este período sin precedentes como por siempre. Arriba del cerco se suceden los momentos robados a estos grandes migrantes, a veces recortados, desdibujados o detallados en lo que parece un cielo monocromático, pero el azul lavanda intenso pasa al gris pardo, al dorado o a un naranja fuego. Los colores del cielo llegan como un llamado a observar mejor la granularidad de nuestro mundo. El cuerpo de obra fue galardonado con el prestigioso premio “À quatre mains Swiss Life” (SwissLife Banque Privée), que premió al dúo fotográfico y al maestro Régis Campo, quien compuso dos piezas musicales para la serie. La secuenciación entrecortada del vuelo circular de las golondrinas con movimientos arremolinados de una música repetitiva, circula y abraza las obras…” Sara Huhounenq, Beaux Arts Magazine, Paris. Le Bleu du Ciel de Taufenbach se ha exhibido en Roubaix, Arles, Burdeos y recientemente en La Galerie Nationale Jeu de Paume de París, como parte.

“Marzo 2020. La Ciudad Eterna; Roma, está desierta, confinada. Solo cuatro artistas rondan por la Villa Médici en un encierro artístico más hondo que nunca. Entre ellos, los artistas de la fotografía Edouard Taufenbach y Bastien Pourtout observan en este inédito episodio de tiempo suspendido la llegada paulatina de las golondrinas. Intrigados por estas aves —que no existentes en estado salvaje sino en convivencia humana— deciden capturar su vuelo, un movimiento de libertad tanto en este período sin precedentes como por siempre. Arriba del cerco se suceden los momentos robados a estos grandes migrantes, a veces recortados, desdibujados o detallados en lo que parece un cielo monocromático, pero el azul lavanda intenso pasa al gris pardo, al dorado o a un naranja fuego. Los colores del cielo llegan como un llamado a observar mejor la granularidad de nuestro mundo. El cuerpo de obra fue galardonado con el prestigioso premio “À quatre mains Swiss Life” (SwissLife Banque Privée), que premió al dúo fotográfico y al maestro Régis Campo, quien compuso dos piezas musicales para la serie. La secuenciación entrecortada del vuelo circular de las golondrinas con movimientos arremolinados de una música repetitiva, circula y abraza las obras…” Sara Huhounenq, Beaux Arts Magazine, Paris. Le Bleu du Ciel de Taufenbach se ha exhibido en Roubaix, Arles, Burdeos y recientemente en La Galerie Nationale Jeu de Paume de París, como parte.

“Marzo 2020. La Ciudad Eterna; Roma, está desierta, confinada. Solo cuatro artistas rondan por la Villa Médici en un encierro artístico más hondo que nunca. Entre ellos, los artistas de la fotografía Edouard Taufenbach y Bastien Pourtout observan en este inédito episodio de tiempo suspendido la llegada paulatina de las golondrinas. Intrigados por estas aves —que no existentes en estado salvaje sino en convivencia humana— deciden capturar su vuelo, un movimiento de libertad tanto en este período sin precedentes como por siempre. Arriba del cerco se suceden los momentos robados a estos grandes migrantes, a veces recortados, desdibujados o detallados en lo que parece un cielo monocromático, pero el azul lavanda intenso pasa al gris pardo, al dorado o a un naranja fuego. Los colores del cielo llegan como un llamado a observar mejor la granularidad de nuestro mundo. El cuerpo de obra fue galardonado con el prestigioso premio “À quatre mains Swiss Life” (SwissLife Banque Privée), que premió al dúo fotográfico y al maestro Régis Campo, quien compuso dos piezas musicales para la serie. La secuenciación entrecortada del vuelo circular de las golondrinas con movimientos arremolinados de una música repetitiva, circula y abraza las obras…” Sara Huhounenq, Beaux Arts Magazine, Paris. Le Bleu du Ciel de Taufenbach se ha exhibido en Roubaix, Arles, Burdeos y recientemente en La Galerie Nationale Jeu de Paume de París, como parte.

“Marzo 2020. La Ciudad Eterna; Roma, está desierta, confinada. Solo cuatro artistas rondan por la Villa Médici en un encierro artístico más hondo que nunca. Entre ellos, los artistas de la fotografía Edouard Taufenbach y Bastien Pourtout observan en este inédito episodio de tiempo suspendido la llegada paulatina de las golondrinas. Intrigados por estas aves —que no existentes en estado salvaje sino en convivencia humana— deciden capturar su vuelo, un movimiento de libertad tanto en este período sin precedentes como por siempre. Arriba del cerco se suceden los momentos robados a estos grandes migrantes, a veces recortados, desdibujados o detallados en lo que parece un cielo monocromático, pero el azul lavanda intenso pasa al gris pardo, al dorado o a un naranja fuego. Los colores del cielo llegan como un llamado a observar mejor la granularidad de nuestro mundo. El cuerpo de obra fue galardonado con el prestigioso premio “À quatre mains Swiss Life” (SwissLife Banque Privée), que premió al dúo fotográfico y al maestro Régis Campo, quien compuso dos piezas musicales para la serie. La secuenciación entrecortada del vuelo circular de las golondrinas con movimientos arremolinados de una música repetitiva, circula y abraza las obras…” Sara Huhounenq, Beaux Arts Magazine, Paris. Le Bleu du Ciel de Taufenbach se ha exhibido en Roubaix, Arles, Burdeos y recientemente en La Galerie Nationale Jeu de Paume de París, como parte.

Polaroid Collages (2018 a la fecha) es una serie de Polaroids tomadas por el propio artista, posteriormente recortadas y ensambladas, creando “esculturas instantáneas” que juegan con la noción de memoria, deseo y la naturaleza física del género escultórico contemporáneo, la imagen fotográfica en el tiempo de la fotografía digital y la noción del Instagram. Muchos de la obra que integra este cuerpo de trabajo fue concebida y creada por el artista durante el año sabático que pasó en la Ciudad de México.

“…Las fotografías de los huicholes de Pablo Ortiz Monasterio, tomadas a lo largo de una veintena de viajes durante las últimas tres décadas […] revelan abundantes evidencias de supervivencia cultural (lo que los huicholes llaman “el costumbre”), sólo posible por su extraordinaria resistencia ante los poderes religiosos, nacionalistas y económicos que durante mucho tiempo han atacado —y continúan atacando— a las comunidades indígenas en todas partes. Aunque Ortiz Monasterio también es un “outsider”, no opera a la manera del antropólogo Lumholtz o el etnólogo Diguet, como un conservacionista a la antigua; ni confía en la superioridad de la cultura occidental; ni destina su trabajo solo a las vitrinas o archivos de museos. Mas bien, estas imágenes complejas son el resultado de largos y pacientes intentos de negociación y colaboración, de trabajar con los huicholes, entre ellos, y finalmente, hacer fotografías tanto para ellos como para las audiencias ajenas a la Sierra Madre. En 1996, Fernando Ortiz Monasterio, ecologista e ingeniero, fue invitado a diseñar un puente que permitiera a los huicholes cruzar con seguridad una cañada profunda que se convertía en un torrente intransitable y peligroso durante los lluviosos veranos. Una imagen de su hermano Pablo registra el sangriento sacrificio sagrado que celebraba su inauguración, tal como luego documentó una peregrinación huichola para atravesar otro puente colgante, el de Brooklyn. Quizás la única posición ética del fotógrafo contemporáneo comprometido con los individuos indígenas es la de trabajar como puente o conducto, como notario autorizado de sacrificios, peregrinaciones y otras ceremonias — algunas más secretas que otras. Todo esto queda en manos de los huicholes, y ninguno de nosotros llegará a comprender al fondo sus significados espirituales.” Dr. James Oles. Historiador de arte

“…Las fotografías de los huicholes de Pablo Ortiz Monasterio, tomadas a lo largo de una veintena de viajes durante las últimas tres décadas […] revelan abundantes evidencias de supervivencia cultural (lo que los huicholes llaman “el costumbre”), sólo posible por su extraordinaria resistencia ante los poderes religiosos, nacionalistas y económicos que durante mucho tiempo han atacado —y continúan atacando— a las comunidades indígenas en todas partes. Aunque Ortiz Monasterio también es un “outsider”, no opera a la manera del antropólogo Lumholtz o el etnólogo Diguet, como un conservacionista a la antigua; ni confía en la superioridad de la cultura occidental; ni destina su trabajo solo a las vitrinas o archivos de museos. Mas bien, estas imágenes complejas son el resultado de largos y pacientes intentos de negociación y colaboración, de trabajar con los huicholes, entre ellos, y finalmente, hacer fotografías tanto para ellos como para las audiencias ajenas a la Sierra Madre. En 1996, Fernando Ortiz Monasterio, ecologista e ingeniero, fue invitado a diseñar un puente que permitiera a los huicholes cruzar con seguridad una cañada profunda que se convertía en un torrente intransitable y peligroso durante los lluviosos veranos. Una imagen de su hermano Pablo registra el sangriento sacrificio sagrado que celebraba su inauguración, tal como luego documentó una peregrinación huichola para atravesar otro puente colgante, el de Brooklyn. Quizás la única posición ética del fotógrafo contemporáneo comprometido con los individuos indígenas es la de trabajar como puente o conducto, como notario autorizado de sacrificios, peregrinaciones y otras ceremonias — algunas más secretas que otras. Todo esto queda en manos de los huicholes, y ninguno de nosotros llegará a comprender al fondo sus significados espirituales.” Dr. James Oles. Historiador de arte

“…Las fotografías de los huicholes de Pablo Ortiz Monasterio, tomadas a lo largo de una veintena de viajes durante las últimas tres décadas […] revelan abundantes evidencias de supervivencia cultural (lo que los huicholes llaman “el costumbre”), sólo posible por su extraordinaria resistencia ante los poderes religiosos, nacionalistas y económicos que durante mucho tiempo han atacado —y continúan atacando— a las comunidades indígenas en todas partes. Aunque Ortiz Monasterio también es un “outsider”, no opera a la manera del antropólogo Lumholtz o el etnólogo Diguet, como un conservacionista a la antigua; ni confía en la superioridad de la cultura occidental; ni destina su trabajo solo a las vitrinas o archivos de museos. Mas bien, estas imágenes complejas son el resultado de largos y pacientes intentos de negociación y colaboración, de trabajar con los huicholes, entre ellos, y finalmente, hacer fotografías tanto para ellos como para las audiencias ajenas a la Sierra Madre. En 1996, Fernando Ortiz Monasterio, ecologista e ingeniero, fue invitado a diseñar un puente que permitiera a los huicholes cruzar con seguridad una cañada profunda que se convertía en un torrente intransitable y peligroso durante los lluviosos veranos. Una imagen de su hermano Pablo registra el sangriento sacrificio sagrado que celebraba su inauguración, tal como luego documentó una peregrinación huichola para atravesar otro puente colgante, el de Brooklyn. Quizás la única posición ética del fotógrafo contemporáneo comprometido con los individuos indígenas es la de trabajar como puente o conducto, como notario autorizado de sacrificios, peregrinaciones y otras ceremonias — algunas más secretas que otras. Todo esto queda en manos de los huicholes, y ninguno de nosotros llegará a comprender al fondo sus significados espirituales.” Dr. James Oles. Historiador de arte

“…Las fotografías de los huicholes de Pablo Ortiz Monasterio, tomadas a lo largo de una veintena de viajes durante las últimas tres décadas […] revelan abundantes evidencias de supervivencia cultural (lo que los huicholes llaman “el costumbre”), sólo posible por su extraordinaria resistencia ante los poderes religiosos, nacionalistas y económicos que durante mucho tiempo han atacado —y continúan atacando— a las comunidades indígenas en todas partes. Aunque Ortiz Monasterio también es un “outsider”, no opera a la manera del antropólogo Lumholtz o el etnólogo Diguet, como un conservacionista a la antigua; ni confía en la superioridad de la cultura occidental; ni destina su trabajo solo a las vitrinas o archivos de museos. Mas bien, estas imágenes complejas son el resultado de largos y pacientes intentos de negociación y colaboración, de trabajar con los huicholes, entre ellos, y finalmente, hacer fotografías tanto para ellos como para las audiencias ajenas a la Sierra Madre. En 1996, Fernando Ortiz Monasterio, ecologista e ingeniero, fue invitado a diseñar un puente que permitiera a los huicholes cruzar con seguridad una cañada profunda que se convertía en un torrente intransitable y peligroso durante los lluviosos veranos. Una imagen de su hermano Pablo registra el sangriento sacrificio sagrado que celebraba su inauguración, tal como luego documentó una peregrinación huichola para atravesar otro puente colgante, el de Brooklyn. Quizás la única posición ética del fotógrafo contemporáneo comprometido con los individuos indígenas es la de trabajar como puente o conducto, como notario autorizado de sacrificios, peregrinaciones y otras ceremonias — algunas más secretas que otras. Todo esto queda en manos de los huicholes, y ninguno de nosotros llegará a comprender al fondo sus significados espirituales.” Dr. James Oles. Historiador de arte