José Luis Cuevas
Untitled (Circus)
2002 - 2007
Ed. of 1 Vintage
Gelatin silver print
35,56 x 27,94 cm
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José Luis Cuevas
Untitled (Newsstand)
2002 - 2007
Ed. of 1 Vintage
Gelatin silver print
35,56 x 27,94 cm
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Nueva Era: Sin título (Palmera)
2009 - 2014
Ed. 7 + 2 P.A.
Archival pigment print
120 x 80 cm
Option II: 165 x 110 cm
Ed. 5 + 2 A.P.
Nueva Era (2009-14), sugiere una ficción sobre un mundo donde el hombre transcurre caminos espirituales taciturnos en los que predomina la desesperación con el deseo de liberación y la trascendencia. La serie evoca el malestar de una sociedad en la que el hombre se enfrenta constantemente con su propio mal para superar sus miedos. Las imágenes evocan una metáfora en espiral, que marchita y florece una y otra vez, ante un renacer distante, simbólico y cuasi futurista del hombre.
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Pest Control: Railway TH 332
2015
Ed. 6 + 2 P.A.
Archival pigment print
160 x 106 cm
Pest Control (2015) El sociólogo francés Marc Augé acuñó en la década de los noventa el concepto de “no lugar” para definir aquellos espacios carentes de identidad en los que la comunicación se daba de manera más artificial. Se trataba de espacios como hoteles, aeropuertos, restaurantes que, en su condición de transitorios o efímeros, no podían considerarse “lugares”. Partiendo de esta idea y utilizando de forma satírica el miedo y la histeria colectivos, la autora realiza una representación ficcional de una ciudad plagada de pinchos anti-palomas. Con esta metáfora Franco Klein nos acerca a las relaciones fracturadas de la actualidad y a la repulsión generada por los medios hacia todo cuanto parece diferente en términos de ideología, etnia, religión o cualquier otro factor que puede amenazar nuestro “pacífico” modo de vida. Pest Control busca ser el reflejo de una soledad y contradicción propias de nuestros días como parte de la sociedad del espectáculo y logra representar visualmente la relación surrealista (o la falta de ella) entre los individuos, los espacios públicos y los nombrados no-lugares.
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Domestic Fine Arts: Quetzal & Emmanuel
2008
Ed. 5 + 2 P.A.
Archival pigment print
135 x 90 cm
Domestic Fine Arts. Bajo el pseudónimo Domestic Fine Arts, Jésus Léon ha combinado fotografía, música y prácticas periodísticas por más de quince años. Su imaginario en el que muestra a ‘modelos’ posee no solo el glamour de una revista de moda, sino que permite personificar escenas profundamente románticas. En el trabajo de León Hernández, la intensidad de la propia vida se vuelve frágil y fugaz, para mostrar una versión oscura del amor, la oscuridad y la destrucción.
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Sin título
2014
Ed. 5 + 2 P.A.
Archival pigment print
135 x 90 cm
Domestic Fine Arts. Bajo el pseudónimo Domestic Fine Arts, Jésus Léon ha combinado fotografía, música y prácticas periodísticas por más de quince años. Su imaginario en el que muestra a ‘modelos’ posee no solo el glamour de una revista de moda, sino que permite personificar escenas profundamente románticas. En el trabajo de León Hernández, la intensidad de la propia vida se vuelve frágil y fugaz, para mostrar una versión oscura del amor, la oscuridad y la destrucción.
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Untitled (Parque México)
2008
Ed. 5 + 2 P.A.
Archival pigment print
70 x 93 cm
Domestic Fine Arts. Bajo el pseudónimo Domestic Fine Arts, Jésus Léon ha combinado fotografía, música y prácticas periodísticas por más de quince años. Su imaginario en el que muestra a ‘modelos’ posee no solo el glamour de una revista de moda, sino que permite personificar escenas profundamente románticas. En el trabajo de León Hernández, la intensidad de la propia vida se vuelve frágil y fugaz, para mostrar una versión oscura del amor, la oscuridad y la destrucción.
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PAUL MPAGI SEPUYA
Mirror Study
2016
Ed. 5
Archival pigment print
86.36 x 129,54 cm
Mirror Study (2017) Esas piezas son parte de “Figures, Grounds and Studies,” el proyecto actual de Paul M. Sepuya que “coloca la esencia de una relacion formal interdependiente entre su mirada, el sujeto representado y la presencia del público dentro de una historia de las construcciones fotográficas eroticas y racializadas”. Sepuya extiende allá de los tradicionales retratos hechos en estudio incluyendo fotografía de fotografía, arreglando o haciendo collages de piezas bi-dimensional con los materiales en su alrededor ; así su trabajo suele ser ambos abstracto y representacional. Trabajando con su círculo íntimo de amigos, establece el espacio del estudio como un sede en donde vida y arte interseccionan, como un sede en cual su aura aparece aunque se queda detrás de la camara.
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PAUL MPAGI SEPUYA
Mirror Study for Joe
2017
Ed. 5
Archival pigment print
86.36 x 116,84 cm
Mirror Study (2017) Esas piezas son parte de “Figures, Grounds and Studies,” el proyecto actual de Paul M. Sepuya que “coloca la esencia de una relacion formal interdependiente entre su mirada, el sujeto representado y la presencia del público dentro de una historia de las construcciones fotográficas eroticas y racializadas”. Sepuya extiende allá de los tradicionales retratos hechos en estudio incluyendo fotografía de fotografía, arreglando o haciendo collages de piezas bi-dimensional con los materiales en su alrededor ; así su trabajo suele ser ambos abstracto y representacional. Trabajando con su círculo íntimo de amigos, establece el espacio del estudio como un sede en donde vida y arte interseccionan, como un sede en cual su aura aparece aunque se queda detrás de la camara.
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Dorine Potel
Endgame
2014
Ed. 7 + 2 P.A.
Archival pigment print
66,5 x 53,2 cm
Endgame (2014) Su título hace eco a la obra de teatro de Samuel Beckett: Final de Partida (escrita en 1957), donde a pesar de rehusarse a contar algo, la obra continua. El objeto nos remonta al universo festivo de las discotecas, esos mágicos sitios nocturnos (¡que son bastante macabros durante el día!). Primordialmente un soporte para la experimentación y prueba cierta materialidad, a imagen condensa literalmente distintos significados en uno, mediante una doble exposición invertida. Un pretexto para interpretar, contemplar y relacionar, pero prestos, antes de que la fiesta termine y fenezca.
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ELLIE DE VERDIER
2017
Ed. 3 + 2 A.P.
Archival giclée print
42 x 63 cm
En Soft no (2017), Ellie de Verdier usa tubos de ventilación como sujetos, employing sus inherent flexibilidad para crear situaciones de tensión y fascinación para el público que se coloca frente de esos coloridos part-individuos en potencia; híbridos entre animales, instrumentos técnicos o aparatos del cuerpo humano. Con esta serie, la artista propone una reflexión sobre “los desplazamientos sutiles, la intrínseca conformidad, y la atracción”, de esa manera nos cuestiona sobre lo que estamos viendo, interrogando indirectamente los modos de responsabilidad y de culpabilidad. Los ángulos a través cuales fotografía, crean una posible incomodidad y nos confrontan a nuestra relación con la imagen, con el sujeto - percibido entre pasivo y activo - así como a la condición fotográfica que describe el estado en cual vivimos.
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ELLIE DE VERDIER
2017
Ed. 3 + 2 A.P.
Archival giclée print
42 x 63 cm
En Soft no (2017), Ellie de Verdier usa tubos de ventilación como sujetos, employing sus inherent flexibilidad para crear situaciones de tensión y fascinación para el público que se coloca frente de esos coloridos part-individuos en potencia; híbridos entre animales, instrumentos técnicos o aparatos del cuerpo humano. Con esta serie, la artista propone una reflexión sobre “los desplazamientos sutiles, la intrínseca conformidad, y la atracción”, de esa manera nos cuestiona sobre lo que estamos viendo, interrogando indirectamente los modos de responsabilidad y de culpabilidad. Los ángulos a través cuales fotografía, crean una posible incomodidad y nos confrontan a nuestra relación con la imagen, con el sujeto - percibido entre pasivo y activo - así como a la condición fotográfica que describe el estado en cual vivimos.
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Lendemains (Group show)
Para Material Art Fair 2018, ALMANAQUE presenta un ensamble de obra de una nueva generación de aclamados artistas que usan la fotografía como soporte de su producción, cuyo trabajo merodea una cultura de por sí determinada por la foto.
El uso del color, la escenificación, texturas miméticas y la materialidad son los gatillos para explorar nuestros días determinados por la abundancia de imágenes, hasta llegar a sus bordes cuando saltan de la pantalla para convertirse en una impresión o incluso una escultura.
En Lendemains, la ficción se entrelaza con la realidad, mediante imágenes que enfatizan la metáfora de la aparición o del hallazgo, como indicios de escenas cotidianas que se vuelven borrosas; casi abstractas.
Con trabajos que describen cambios de escalas entre el paisajes y el detalles, así como el movimiento de la materia o la duplicación de la imagen, viene a la mente que atestiguamos los días siguientes al encuentro posible con universos fantaseados.