Jesús León

Dripping

Fine Art Archival Pigment Print
2018

135 x 90 cm

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Bajo el pseudónimo Domestic Fine Arts, Jésus Léon ha combinado fotografía, música y prácticas periodísticas por más de quince años. Su imaginario en el que muestra a ‘modelos’ posee no solo el glamour de una revista de moda, sino que permite personificar escenas profundamente románticas. En el trabajo de León Hernández, la intensidad de la propia vida se vuelve frágil y fugaz, para mostrar una versión oscura del amor, la oscuridad y la destrucción.

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Mara Sánchez-Renero

Iluikak: La cueva de las golondrinas

2017
Fine Art Print on Baryta Cotton Fiber
Ed. 7

120 x 80 cm

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“Iluikak” (2016-18) obra más reciente de la fotógrafa y exposición individual en ALMANAQUE, fue desarrollada en las montañas de la sierra de Zongolica, Veracruz. Cuando Mara Sánchez-Renero conoció la región en 2016, encontró un territorio de vasta naturaleza y riqueza cultural, en esta zona que es mayoritariamente habitada por comunidades nahuas. La relación entre los habitantes y la naturaleza detonaron su interés por decodificar los rituales humanos a través de la composición fotográfica, y del nuevo ritual que se crea al momento de la toma que inserta nuevos elementos simbólicos; para mostrar nuevos significados de las estructuras socioculturales y naturales que alberga la sierra. Como resultado, “Iluikak” es una lectura personal de la fotógrafa del misticismo que conforma las relaciones existentes entre la naturaleza, la identidad y el territorio, en la que el color y la iluminación son fundamentales y dotan de una especificidad al conjunto de fotografías de la serie.

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Mara Sánchez-Renero

Iluikak: Enraice

2017
Fine Art Print on Baryta Cotton Fiber
Ed. 7

82 x 55 cm

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“Iluikak” (2016-18) obra más reciente de la fotógrafa y exposición individual en ALMANAQUE, fue desarrollada en las montañas de la sierra de Zongolica, Veracruz. Cuando Mara Sánchez-Renero conoció la región en 2016, encontró un territorio de vasta naturaleza y riqueza cultural, en esta zona que es mayoritariamente habitada por comunidades nahuas. La relación entre los habitantes y la naturaleza detonaron su interés por decodificar los rituales humanos a través de la composición fotográfica, y del nuevo ritual que se crea al momento de la toma que inserta nuevos elementos simbólicos; para mostrar nuevos significados de las estructuras socioculturales y naturales que alberga la sierra. Como resultado, “Iluikak” es una lectura personal de la fotógrafa del misticismo que conforma las relaciones existentes entre la naturaleza, la identidad y el territorio, en la que el color y la iluminación son fundamentales y dotan de una especificidad al conjunto de fotografías de la serie.

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Jorge Miño

Nebulosa: Untitled

2017
C-Print
Ed. 3/5 + 2 A.P

123 x 150 cm

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La fotografía de Miño se construye forma onírica. Inducen a soñar con la arquitectura y los espacios que habitamos a partir de imágenes que, en todo momento, están a punto de convertirse en otra cosa. A través de veladuras y transparencias, se revelan para nosotros en una suerte de visión endoscópica. Las construcciones se sondean como las cavidades ocultas de un cuerpo, del que emerge un mundo íntimo: el paisaje interior de las edificaciones. Se trata de visiones que corroen el sentido común, también denuncian aquello que reprimen las estructuras formales del espacio: la alteridad en la identidad, lo espectral en lo sólido, el vacío en lo lleno, lo abstracto que se esconde en lo muy concreto. Al prescindir de toda aparición de la figura humana, queda al desnudo la propia morfología del espacio arquitectónico. La sensualidad de la forma se refuerza una vez que se ha desmaterializado todo lo que la hizo posible. 

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Danila Tkachenko

Lost Horizon: Model of the Headquarters of the Third International

2016
Archival Pigment Print
Ed. of 7 + 2 A.P

80 x 80 cm

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Lost Horizon (Horizonte perdido), 2016. El mundo prometido por la Revolución de octubre tendría que haber sido no solo justo y próspero, sino que debía haber trascendido el planeta para colonizar el espacio exterior. El régimen socialista debía haber sido establecido no solo en el espacio, sino en el tiempo, ayudado por la tecnología que habría permitido convertir un instante en eternidad. Sin embargo, precisamente con el paso del tiempo, las fallas económicas han traído toda suerte de desilusión sobre las utopías políticas y sobre la promesa de un futuro brillante. En Lost Horizon, Tkachenko captura objetos que representan la imagen de un futuro cósmico ideal perdido. Tkachenko eligió el formato 6x6, para encapsular el estado utópico de los proyectos futuristas en la forma suprematista propuesta por su connacional Kasimir Malevich’s, fundador de las Vanguardias rusas en su célebre ‘Cuadrado negro’ de 1917, que constituyendo una pieza revolucionaria del arte, refleja la época histórica en que fue concebido.

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Aglae Cortés

(Los otros) recuerdos del futuro: (déjà vu n°17)

2017
Inyección de tinta sobre papel baritado
Edition of 5 + 2 A.P.

42 x 62 cm

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“Vivimos en un contexto social, politico y cultural incierto. Los acelerados avances tecnológicos no siempre van de la mano con el avance del pensamiento, lo que genera una fuerte sensación de terra-incógnita sobre el futuro. (Los otros) recuerdos del futuro es un cuerpo de trabajo de largo aliento que inició el año pasado a partir de una residencia artística en Fiskars, Finlandia y pretende desarrollarse en diferentes latitudes. Las condiciones territoriales en extremo opuestas a mi cotidianidad, un pequeño pueblo de 50 habitantes y culturalmente fríos, en pleno invierno polar, con cuatro horas de luz al día, un idioma completamente ajeno, etc, fueron factores determinantes para enfocarme en la alteración que puede sufrir la percepción del tiempo y espacio aún en la misma planeta.” Aglae Cortés

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Aglae Cortés

(Los otros) recuerdos del futuro: (déjà vu n°19)

2017
Inyección de tinta sobre papel baritado
Edition of 5 + 2 A.P.

42 x 62 cm

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“Vivimos en un contexto social, politico y cultural incierto. Los acelerados avances tecnológicos no siempre van de la mano con el avance del pensamiento, lo que genera una fuerte sensación de terra-incógnita sobre el futuro. (Los otros) recuerdos del futuro es un cuerpo de trabajo de largo aliento que inició el año pasado a partir de una residencia artística en Fiskars, Finlandia y pretende desarrollarse en diferentes latitudes. Las condiciones territoriales en extremo opuestas a mi cotidianidad, un pequeño pueblo de 50 habitantes y culturalmente fríos, en pleno invierno polar, con cuatro horas de luz al día, un idioma completamente ajeno, etc, fueron factores determinantes para enfocarme en la alteración que puede sufrir la percepción del tiempo y espacio aún en la misma planeta.” Aglae Cortés

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Fernando Bayona

Out of the Blue: Green Light

Impresión Ink Jet

Available in 3 sizes: Ed. 3: 65 x 53 cm, Ed. 3: 106 x 84 cm & Ed. 2: 135 x 106 cm.

65 x 53 cm

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Algo que ocurre inesperadamente, que nos sitúa en una especie de vértice. Desde ese punto, es difícil no ver la propia existencia como algo que se divide para siempre en un antes y un después. Puede ser el diagnóstico de una enfermedad que nos cambiará sin remisión, la llegada de alguien que da un vuelco a nuestro universo o una circunstancia que haga inestable nuestra construcción de lo conocido. Ciertamente, la expresión anglosajona Out of the blue puede referirse a ese algo que aparece de la nada -sin previo avisotanto en sentido positivo como en negativo. Sin embargo, Fernando Bayona ha centrado su búsqueda en esa incertidumbre que se asienta en nosotros, dejándonos en un profundo estado de melancolía. Quienes recuerdan su serie fotográfica The life of the other (2013/14) comprenderán que esta investigación parece deudora de aquella, por cuanto constituía la representación de un compendio de inquietudes humanas en las que el punto de inflexión se erigía como auténtico recurso narrativo, situando al espectador en un tiempo suspendido. En out of the blue el relato se nos opaca, poniendo un singular énfasis en aquello misterioso de la vida, a los ojos de todos inexplicable, y que nos planteará ante la escena fotografiada en una inquietante diatriba: Algo acaba de suceder, pero ese algo está en el ánimo de los personajes. En buena parte de estas imágenes, nuestra mirada contaminada podría llegar a conclusiones erróneas, muchas de las veces oscuras y remotas. En un interesante contraplano que bebe de los esquemas cinematográficos, Bayona exhibe una colección de localizaciones reales que han sido fotografiadas en condiciones excepcionales de luz -gracias a un generador propio que trasladaba a los diferentes escenarios- y postproducidas en un intensísimo y complejo procesado que aborda la imagen desde planteamientos cercanos a lo pictórico. El artista, por último, nos deja decidir de qué forma se corresponden interior y exterior, de manera que las vivencias y el imaginario de los receptores se convierten en esenciales para la interpretación del relato.

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Fernando Bayona

Out of the Blue: Still Life

Impresión Ink Jet
Ed. 1/2

135 x 106 cm

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Fernando Bayona

The Life of the Other: The Last Time

Impression Ink Jet
Ed. 1/3

65 x 53 cm

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La serie The life of the other es un proyecto de investigación a medio camino entre fotografía documental y escenificada compuesto por 16 imágenes. El proyecto reflexiona sobre el uso del cuerpo como soporte laboral por tres colectivos profesionales, esto es, como objeto de deseo intangible, caso de los stripper o actores porno, o bien aquellos que son subordinables a través de una contraprestación económica, en el caso de los chaperos. El título de la serie hace referencia al juego de identidades y ficciones llevadas a cabo por estos trabajadores para proteger su intimidad. Una suerte de "álter egos" o máscaras virtuales que los disocia de su persona, un constructo de sí mismos creado para desarrollar su profesión mediante la representación de un personaje fingido, que muta para adaptarse a las exigencias laborales o demandas de los diferentes clientes, convirtiéndose así -consciente o inconscientemente- en actores permanentes del mismo y dotándolo de una vida y características muy concretas. La fase inicial del proyecto se fundamenta en entrevistas a los diferentes participantes del estudio, realizando así un acercamiento a la persona real, desproveyéndola del artificio protector de la máscara para poder comprender su realidad, sus vivencias y experiencias. Partiendo de los relatos obtenidos el proyecto reconstruye fotográficamente alguno de los pasajes de su intensa vida, una mise en scène que da visibilidad a historias que tienden a ser ocultadas por vergüenza o miedo al rechazo social debido a la estigmatización de la profesión ejercida, un modo de hacer público algo que en naturaleza es muy íntimo y personal. De este modo, los personajes que aparecen en cada una de las imágenes son interpretados por actores profesionales, que sienten y padecen las vidas de los protagonistas reales, y se mezclan con éstos que reinterpretan nuevamente sus propias vivencias. Esto se establece como estrategia pactada con todos y cada uno de ellos para preservar su anonimato a pesar de mostrar su rostro ante la cámara. Creamos así una doble ficción, la del personaje que esta tipología de profesionales crean para sí y los protege de la sociedad, y el que han de interpretar en la toma fotográfica dentro del proyecto, generando la duda permanente en el espectador que no sabe quien es el real y quien el intérprete o interpretado. El proyecto indaga en las especiales características de vida de estos trabajadores, profundizando en cuestiones como el deseo reprimido, las relaciones de pareja, los problemas afectivos, el entorno cultural, la inmigración, el perfil de los clientes, las diferentes prácticas sexuales, la enfermedad, la soledad, el estigma social o la doble moral de la ciudadanía entre otras múltiples cuestiones tangenciales. Una suerte de realidad paralela en la que se interrelacionan condicionantes económicos, culturales, religiosos, sanitarios, o simples decisiones personales que tienden a darse en los límites entre lo público y lo privado. - The last time: San Francisco, barrio de Castro, 3 a.m. Mike sentado en el suelo de la cocina decide que ese sería su último servicio, un punto de inflexión en su vida que marca el inicio de una nueva dirección.

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Fernando Bayona

Circus Christi: Crucifixión

Impression Ink Jet
Ed. 1/2

135 x 106 cm

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Circus Christi nos propone una subversiva reversión de la vida de Jesús, emplazada en la periferia de cualquier gran ciudad y ambientada temporalmente desde los años 70 hasta nuestros días. Un elenco de actores acomete las interpretaciones de unos personajes ficticios que guardan grandes paralelismos con los que aparecen realmente en los evangelios del Nuevo Testamento. El proyecto analiza los límites de la alteración de la Historia, la libertad de expresión y el significado que el escarnio dogmático poseen en la sociedad actual. Entra así en conflicto con los intereses ideológicos, culturales y económicos de colectivos religiosos o políticos que tratan de censurar cualquier tipo de manifestación que atente contra las bases sobre los que se asientan sus fuentes de poder. Las 14 imágenes que componen Circus Christi suponen un vía crucis contemporáneo que narra la intensa vida de Jesús, el vocalista y líder del ficticio grupo de música Circus Christi. Las 3 tomas iniciales están ambientadas a principios de los años 70 cuando su padre José, un camello de poca monta pasa condena en la cárcel, y su madre María se ve obligada a ejercer la prostitución para sacar adelante a su familia. Ya en la actualidad, Jesús vive con María Magdalena hasta que conoce a Juan Bautista, hecho que cambiará bruscamente su vida desde ese momento y desencadenará los acontecimientos del resto de instantáneas de la serie.

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Ricardo Nicolayevsky

Lost Photos: NYC´83

Gelatin Silver on Fineart Illford IV Warm Tone Multigrade Fiber.
Ed. 2/3

65 x 55 cm

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Lost Photos & NYC’83 video-art portrait (1982 - 2017) La reunión de dos cuerpos de obras, compuestas por fotografía y videoarte, constituyen la propuesta de Ricardo Nicolayevsky para ALMANAQUE. Post-producidas a lo largo de más de dos décadas, las obras funcionan como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra.Imagen fija y en movimiento de un mundo público y privado capturado hace 35 años —en un Nueva York ya inexistente— se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora. Lost Photos-NYC’83 dialoga con nuestro presente que amenaza a la libertad de expresión y a los derechos humanos en un nuevo status-quo. Se trata de una serie fotográfica con imágenes íntimas y enigmáticas, mientras que el videoarte: NYC’83 es un retrato donde lo público y lo privado se fundían en las calles de la ciudad abierta a todas las posibilidades. La serie Lost Photos —de esencia experimental— ha sido montada en un estilo clásico, provocando que lo narrativo y lo poético se confundan con la abstracción y el hallazgo afortunado. El videoarte NYC’83 captura el espíritu Punk y New Wave de un joven Nicolayevsky, observando a la metrópolis idílica del siglo XX. En 2016, el MoMA adquirió 61 piezas de la serie Lost Portraits, de las cual se desprende este retrato total de la capital del occidente donde aparecen las calles, sus habitantes y el propio autor. El paso del tiempo ha sido la materia prima en la producción de estas obras. “Es imposible matar el tiempo sin herirlo” declara Nicolayevsky en uno de sus célebres aforismos.

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Alexandra Cor

Fiction No. 1

Digital collage C-Print in acrylic.
Ed. 2/12

70 x 55 cm

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Ficciones (2015), consiste en una serie de collages meticulosamente elaborados a partir de fragmentos fotográficos recogidos en diferentes ciudades y localidades. En ellos se describen paisajes urbanos utópicos que tienen historias reales, pero los edificios, el césped y los árboles se aplanan en formas geométricas simples. Los collages se balancean entre dos mundos: el imaginario y el real. De esta manera estos nuevos paisajes se convierten en universales, libres de patrones culturales y de la presencia humana. Son ejemplos de nuestra percepción de la realidad post-digital y también un llamado a soñar, a jugar y a reflexionar.

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