Body Matters

AMA LUR (expuesta en Body Matters) es el capítulo final de su proyecto de investigación Galerna que inició hace 8 años. Cazenave retrocede aquí hasta el paleolítico superior y centra su estudio en el mundo simbólico y ritual del arte rupestre de ambas vertientes de la cordillera pirenaica para reinterpretar el rastro de los seres humanos que vivían en este entorno. “En vasco, URAITZ significa Agua Piedra. La materia pétrea es moldeada por el agua y es el agua la que emulsiona el pigmento rojo obtenido de la piedra que después aplico. EME OBENE significa Obene hembra. Obene es el nombre de un lugar en el bosque donde realicé esta fotografía. SAKON significa PROFUNDO. El agujero y el agua tienen el simbolismo femenino de profundidad y gestación”.

AMA LUR (expuesta en Body Matters) es el capítulo final de su proyecto de investigación Galerna que inició hace 8 años. Cazenave retrocede aquí hasta el paleolítico superior y centra su estudio en el mundo simbólico y ritual del arte rupestre de ambas vertientes de la cordillera pirenaica para reinterpretar el rastro de los seres humanos que vivían en este entorno. “En vasco, URAITZ significa Agua Piedra. La materia pétrea es moldeada por el agua y es el agua la que emulsiona el pigmento rojo obtenido de la piedra que después aplico. EME OBENE significa Obene hembra. Obene es el nombre de un lugar en el bosque donde realicé esta fotografía. SAKON significa PROFUNDO. El agujero y el agua tienen el simbolismo femenino de profundidad y gestación”.

AMA LUR (expuesta en Body Matters) es el capítulo final de su proyecto de investigación Galerna que inició hace 8 años. Cazenave retrocede aquí hasta el paleolítico superior y centra su estudio en el mundo simbólico y ritual del arte rupestre de ambas vertientes de la cordillera pirenaica para reinterpretar el rastro de los seres humanos que vivían en este entorno. “En vasco, URAITZ significa Agua Piedra. La materia pétrea es moldeada por el agua y es el agua la que emulsiona el pigmento rojo obtenido de la piedra que después aplico. EME OBENE significa Obene hembra. Obene es el nombre de un lugar en el bosque donde realicé esta fotografía. SAKON significa PROFUNDO. El agujero y el agua tienen el simbolismo femenino de profundidad y gestación”.

De la serie: Nude | A room | Flowers (2012) compuesta por imágenes al mismo tiempo sensuales y oscuras alternando blanco y negro y el color, que exudan emociones carnales y sensuales en cada una de sus obras.

De la serie: Nude | A room | Flowers (2012) compuesta por imágenes al mismo tiempo sensuales y oscuras alternando blanco y negro y el color, que exudan emociones carnales y sensuales en cada una de sus obras.

De la serie: Nude | A room | Flowers (2012) compuesta por imágenes al mismo tiempo sensuales y oscuras alternando blanco y negro y el color, que exudan emociones carnales y sensuales en cada una de sus obras.

De la serie: Nude | A room | Flowers (2012) compuesta por imágenes al mismo tiempo sensuales y oscuras alternando blanco y negro y el color, que exudan emociones carnales y sensuales en cada una de sus obras.

Domestic Fine Arts. Bajo el pseudónimo Domestic Fine Arts, Jésus Léon ha combinado fotografía, música y prácticas periodísticas por más de quince años. Su imaginario en el que muestra a ‘modelos’ posee no solo el glamour de una revista de moda, sino que permite personificar escenas profundamente románticas. En el trabajo de León Hernández, la intensidad de la propia vida se vuelve frágil y fugaz, para mostrar una versión oscura del amor, la oscuridad y la destrucción.

Domestic Fine Arts. Bajo el pseudónimo Domestic Fine Arts, Jésus Léon ha combinado fotografía, música y prácticas periodísticas por más de quince años. Su imaginario en el que muestra a ‘modelos’ posee no solo el glamour de una revista de moda, sino que permite personificar escenas profundamente románticas. En el trabajo de León Hernández, la intensidad de la propia vida se vuelve frágil y fugaz, para mostrar una versión oscura del amor, la oscuridad y la destrucción.

Lost Photos & NYC’83 video-art portrait (1982 - 2017) La reunión de dos cuerpos de obras, compuestas por fotografía y videoarte, constituyen la propuesta de Ricardo Nicolayevsky para ALMANAQUE. Post-producidas a lo largo de más de dos décadas, las obras funcionan como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra.Imagen fija y en movimiento de un mundo público y privado capturado hace 35 años —en un Nueva York ya inexistente— se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora. Lost Photos-NYC’83 dialoga con nuestro presente que amenaza a la libertad de expresión y a los derechos humanos en un nuevo status-quo. Se trata de una serie fotográfica con imágenes íntimas y enigmáticas, mientras que el videoarte: NYC’83 es un retrato donde lo público y lo privado se fundían en las calles de la ciudad abierta a todas las posibilidades. La serie Lost Photos  —de esencia experimental— ha sido montada en un estilo clásico, provocando que lo narrativo y lo poético se confundan con la abstracción y el hallazgo afortunado. El videoarte NYC’83 captura el espíritu Punk y New Wave de un joven Nicolayevsky, observando a la metrópolis idílica del siglo XX. En 2016, el MoMA adquirió 61 piezas de la serie Lost Portraits, de las cual se desprende este retrato total de la capital del occidente donde aparecen las calles, sus habitantes y el propio autor. El paso del tiempo ha sido la materia prima en la producción de estas obras. “Es imposible matar el tiempo sin herirlo” declara Nicolayevsky en uno de sus célebres aforismos.

Lost Photos & NYC’83 video-art portrait (1982 - 2017) La reunión de dos cuerpos de obras, compuestas por fotografía y videoarte, constituyen la propuesta de Ricardo Nicolayevsky para ALMANAQUE. Post-producidas a lo largo de más de dos décadas, las obras funcionan como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra.Imagen fija y en movimiento de un mundo público y privado capturado hace 35 años —en un Nueva York ya inexistente— se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora. Lost Photos-NYC’83 dialoga con nuestro presente que amenaza a la libertad de expresión y a los derechos humanos en un nuevo status-quo. Se trata de una serie fotográfica con imágenes íntimas y enigmáticas, mientras que el videoarte: NYC’83 es un retrato donde lo público y lo privado se fundían en las calles de la ciudad abierta a todas las posibilidades. La serie Lost Photos  —de esencia experimental— ha sido montada en un estilo clásico, provocando que lo narrativo y lo poético se confundan con la abstracción y el hallazgo afortunado. El videoarte NYC’83 captura el espíritu Punk y New Wave de un joven Nicolayevsky, observando a la metrópolis idílica del siglo XX. En 2016, el MoMA adquirió 61 piezas de la serie Lost Portraits, de las cual se desprende este retrato total de la capital del occidente donde aparecen las calles, sus habitantes y el propio autor. El paso del tiempo ha sido la materia prima en la producción de estas obras. “Es imposible matar el tiempo sin herirlo” declara Nicolayevsky en uno de sus célebres aforismos.

Lost Photos & NYC’83 video-art portrait (1982 - 2017) La reunión de dos cuerpos de obras, compuestas por fotografía y videoarte, constituyen la propuesta de Ricardo Nicolayevsky para ALMANAQUE. Post-producidas a lo largo de más de dos décadas, las obras funcionan como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra.Imagen fija y en movimiento de un mundo público y privado capturado hace 35 años —en un Nueva York ya inexistente— se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora. Lost Photos-NYC’83 dialoga con nuestro presente que amenaza a la libertad de expresión y a los derechos humanos en un nuevo status-quo. Se trata de una serie fotográfica con imágenes íntimas y enigmáticas, mientras que el videoarte: NYC’83 es un retrato donde lo público y lo privado se fundían en las calles de la ciudad abierta a todas las posibilidades. La serie Lost Photos  —de esencia experimental— ha sido montada en un estilo clásico, provocando que lo narrativo y lo poético se confundan con la abstracción y el hallazgo afortunado. El videoarte NYC’83 captura el espíritu Punk y New Wave de un joven Nicolayevsky, observando a la metrópolis idílica del siglo XX. En 2016, el MoMA adquirió 61 piezas de la serie Lost Portraits, de las cual se desprende este retrato total de la capital del occidente donde aparecen las calles, sus habitantes y el propio autor. El paso del tiempo ha sido la materia prima en la producción de estas obras. “Es imposible matar el tiempo sin herirlo” declara Nicolayevsky en uno de sus célebres aforismos.

Lost Photos & NYC’83 video-art portrait (1982 - 2017) La reunión de dos cuerpos de obras, compuestas por fotografía y videoarte, constituyen la propuesta de Ricardo Nicolayevsky para ALMANAQUE. Post-producidas a lo largo de más de dos décadas, las obras funcionan como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra.Imagen fija y en movimiento de un mundo público y privado capturado hace 35 años —en un Nueva York ya inexistente— se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora. Lost Photos-NYC’83 dialoga con nuestro presente que amenaza a la libertad de expresión y a los derechos humanos en un nuevo status-quo. Se trata de una serie fotográfica con imágenes íntimas y enigmáticas, mientras que el videoarte: NYC’83 es un retrato donde lo público y lo privado se fundían en las calles de la ciudad abierta a todas las posibilidades. La serie Lost Photos  —de esencia experimental— ha sido montada en un estilo clásico, provocando que lo narrativo y lo poético se confundan con la abstracción y el hallazgo afortunado. El videoarte NYC’83 captura el espíritu Punk y New Wave de un joven Nicolayevsky, observando a la metrópolis idílica del siglo XX. En 2016, el MoMA adquirió 61 piezas de la serie Lost Portraits, de las cual se desprende este retrato total de la capital del occidente donde aparecen las calles, sus habitantes y el propio autor. El paso del tiempo ha sido la materia prima en la producción de estas obras. “Es imposible matar el tiempo sin herirlo” declara Nicolayevsky en uno de sus célebres aforismos.

Lost Photos & NYC’83 video-art portrait (1982 - 2017) La reunión de dos cuerpos de obras, compuestas por fotografía y videoarte, constituyen la propuesta de Ricardo Nicolayevsky para ALMANAQUE. Post-producidas a lo largo de más de dos décadas, las obras funcionan como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra.Imagen fija y en movimiento de un mundo público y privado capturado hace 35 años —en un Nueva York ya inexistente— se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora. Lost Photos-NYC’83 dialoga con nuestro presente que amenaza a la libertad de expresión y a los derechos humanos en un nuevo status-quo. Se trata de una serie fotográfica con imágenes íntimas y enigmáticas, mientras que el videoarte: NYC’83 es un retrato donde lo público y lo privado se fundían en las calles de la ciudad abierta a todas las posibilidades. La serie Lost Photos  —de esencia experimental— ha sido montada en un estilo clásico, provocando que lo narrativo y lo poético se confundan con la abstracción y el hallazgo afortunado. El videoarte NYC’83 captura el espíritu Punk y New Wave de un joven Nicolayevsky, observando a la metrópolis idílica del siglo XX. En 2016, el MoMA adquirió 61 piezas de la serie Lost Portraits, de las cual se desprende este retrato total de la capital del occidente donde aparecen las calles, sus habitantes y el propio autor. El paso del tiempo ha sido la materia prima en la producción de estas obras. “Es imposible matar el tiempo sin herirlo” declara Nicolayevsky en uno de sus célebres aforismos.

Lost Photos & NYC’83 video-art portrait (1982 - 2017) La reunión de dos cuerpos de obras, compuestas por fotografía y videoarte, constituyen la propuesta de Ricardo Nicolayevsky para ALMANAQUE. Post-producidas a lo largo de más de dos décadas, las obras funcionan como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra.Imagen fija y en movimiento de un mundo público y privado capturado hace 35 años —en un Nueva York ya inexistente— se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora. Lost Photos-NYC’83 dialoga con nuestro presente que amenaza a la libertad de expresión y a los derechos humanos en un nuevo status-quo. Se trata de una serie fotográfica con imágenes íntimas y enigmáticas, mientras que el videoarte: NYC’83 es un retrato donde lo público y lo privado se fundían en las calles de la ciudad abierta a todas las posibilidades. La serie Lost Photos  —de esencia experimental— ha sido montada en un estilo clásico, provocando que lo narrativo y lo poético se confundan con la abstracción y el hallazgo afortunado. El videoarte NYC’83 captura el espíritu Punk y New Wave de un joven Nicolayevsky, observando a la metrópolis idílica del siglo XX. En 2016, el MoMA adquirió 61 piezas de la serie Lost Portraits, de las cual se desprende este retrato total de la capital del occidente donde aparecen las calles, sus habitantes y el propio autor. El paso del tiempo ha sido la materia prima en la producción de estas obras. “Es imposible matar el tiempo sin herirlo” declara Nicolayevsky en uno de sus célebres aforismos.

Painted Body (2010). En esta serie Shin implica el proceso de pintura, así como la forma para la construcción de su imagen en el proceso fotográfico. Mediante la incorporación de un proceso pictórico, el cuerpo delante de la cámara se convierte en una forma abstracta que se objetiviza, más aún, se fetichiza. Las posturas del torso blanco, recuerdan esculturas helenísticas, mientras que la paleta de color utilizada por Shin, traza una referencia a la portada del disco de la banda británica Pulp  ‘This is Hardcore’.

Painted Body (2010). En esta serie Shin implica el proceso de pintura, así como la forma para la construcción de su imagen en el proceso fotográfico. Mediante la incorporación de un proceso pictórico, el cuerpo delante de la cámara se convierte en una forma abstracta que se objetiviza, más aún, se fetichiza. Las posturas del torso blanco, recuerdan esculturas helenísticas, mientras que la paleta de color utilizada por Shin, traza una referencia a la portada del disco de la banda británica Pulp  ‘This is Hardcore’.

Painted Body (2010). En esta serie Shin implica el proceso de pintura, así como la forma para la construcción de su imagen en el proceso fotográfico. Mediante la incorporación de un proceso pictórico, el cuerpo delante de la cámara se convierte en una forma abstracta que se objetiviza, más aún, se fetichiza. Las posturas del torso blanco, recuerdan esculturas helenísticas, mientras que la paleta de color utilizada por Shin, traza una referencia a la portada del disco de la banda británica Pulp  ‘This is Hardcore’.

Painted Body (2010). En esta serie Shin implica el proceso de pintura, así como la forma para la construcción de su imagen en el proceso fotográfico. Mediante la incorporación de un proceso pictórico, el cuerpo delante de la cámara se convierte en una forma abstracta que se objetiviza, más aún, se fetichiza. Las posturas del torso blanco, recuerdan esculturas helenísticas, mientras que la paleta de color utilizada por Shin, traza una referencia a la portada del disco de la banda británica Pulp  ‘This is Hardcore’.

Painted Body (2010). En esta serie Shin implica el proceso de pintura, así como la forma para la construcción de su imagen en el proceso fotográfico. Mediante la incorporación de un proceso pictórico, el cuerpo delante de la cámara se convierte en una forma abstracta que se objetiviza, más aún, se fetichiza. Las posturas del torso blanco, recuerdan esculturas helenísticas, mientras que la paleta de color utilizada por Shin, traza una referencia a la portada del disco de la banda británica Pulp  ‘This is Hardcore’.