Aglae Cortés

(Los otros) recuerdos del futuro: Tiempo Latente

2016
Fine Art print & Acid free varnish
Ed. 7 + 2 P.A.

100 x 67 cm

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“Vivimos en un contexto social, politico y cultural incierto. Los acelerados avances tecnológicos no siempre van de la mano con el avance del pensamiento, lo que genera una fuerte sensación de terra-incógnita sobre el futuro. (Los otros) recuerdos del futuro es un cuerpo de trabajo de largo aliento que inició el año pasado a partir de una residencia artística en Fiskars, Finlandia y pretende desarrollarse en diferentes latitudes. Las condiciones territoriales en extremo opuestas a mi cotidianidad, un pequeño pueblo de 50 habitantes y culturalmente fríos, en pleno invierno polar, con cuatro horas de luz al día, un idioma completamente ajeno, etc, fueron factores determinantes para enfocarme en la alteración que puede sufrir la percepción del tiempo y espacio aún en la misma planeta.” Aglae Cortés

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Aglae Cortés

(Los otros) recuerdos del futuro: (déjà vu n°11)

2017
Archival pigment print
Edition of 5 + 2 A.P.

42 x 62 cm

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“Vivimos en un contexto social, politico y cultural incierto. Los acelerados avances tecnológicos no siempre van de la mano con el avance del pensamiento, lo que genera una fuerte sensación de terra-incógnita sobre el futuro. (Los otros) recuerdos del futuro es un cuerpo de trabajo de largo aliento que inició el año pasado a partir de una residencia artística en Fiskars, Finlandia y pretende desarrollarse en diferentes latitudes. Las condiciones territoriales en extremo opuestas a mi cotidianidad, un pequeño pueblo de 50 habitantes y culturalmente fríos, en pleno invierno polar, con cuatro horas de luz al día, un idioma completamente ajeno, etc, fueron factores determinantes para enfocarme en la alteración que puede sufrir la percepción del tiempo y espacio aún en la misma planeta.” Aglae Cortés

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Aglae Cortés

(Los otros) recuerdos del futuro: (déjà vu n°19)

2017
Archival pigment print
Edition of 5 + 2 A.P.

42 x 62 cm

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“Vivimos en un contexto social, politico y cultural incierto. Los acelerados avances tecnológicos no siempre van de la mano con el avance del pensamiento, lo que genera una fuerte sensación de terra-incógnita sobre el futuro. (Los otros) recuerdos del futuro es un cuerpo de trabajo de largo aliento que inició el año pasado a partir de una residencia artística en Fiskars, Finlandia y pretende desarrollarse en diferentes latitudes. Las condiciones territoriales en extremo opuestas a mi cotidianidad, un pequeño pueblo de 50 habitantes y culturalmente fríos, en pleno invierno polar, con cuatro horas de luz al día, un idioma completamente ajeno, etc, fueron factores determinantes para enfocarme en la alteración que puede sufrir la percepción del tiempo y espacio aún en la misma planeta.” Aglae Cortés

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Aglae Cortés

(Los otros) recuerdos del futuro: (déjà vu n°17)

2017
Archival pigment print
Edition of 5 + 2 A.P.

42 x 62 cm

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“Vivimos en un contexto social, politico y cultural incierto. Los acelerados avances tecnológicos no siempre van de la mano con el avance del pensamiento, lo que genera una fuerte sensación de terra-incógnita sobre el futuro. (Los otros) recuerdos del futuro es un cuerpo de trabajo de largo aliento que inició el año pasado a partir de una residencia artística en Fiskars, Finlandia y pretende desarrollarse en diferentes latitudes. Las condiciones territoriales en extremo opuestas a mi cotidianidad, un pequeño pueblo de 50 habitantes y culturalmente fríos, en pleno invierno polar, con cuatro horas de luz al día, un idioma completamente ajeno, etc, fueron factores determinantes para enfocarme en la alteración que puede sufrir la percepción del tiempo y espacio aún en la misma planeta.” Aglae Cortés

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Mariana Corcuera

Origen: 01

2013
C-Print on Dibond
Ed. of 5

112 x 62 cm

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La contemplación del jardín realizada por Corcuera rinde un homenaje a los nenúfares y flores del pintor francés Claude Monet, el artista más representativo del Impresionismo de mitades del siglo IXX. Con una minuciosa atención a los reflejos de la luz, los colores, las texturas del agua y el encuadre, Mariana utiliza las herramientas de la fotografía contemporánea para pintar con luz, obteniendo imágenes que recuerdan la técnica pictórica característica del óleo impresionista. Sumergida en piscinas, acompañada de flores y un vestuario que hace volutas, para realizar esta serie más que más que contemplar la belleza, se imagina inmersa en ella sin saber con certeza el resultado hasta terminar la toma, pues se trata de un autoretrato. El resultado son los momentos eternos propios de la pintura y la fotografía que nos permite dejar de ser centro de percepción para confundirnos con el flujo del espacio y el tiempo.

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Nicolás Janowski

Adrift in blue: Laberinto

2015
Fotográfía Digital.
Doble Exposición en toma Directa.
Ed. 3/7 + 2 P.A.

105 x 70 cm

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A drift in blue es un proyecto del artista y antropólogo argentino Nicolás Janowski centrado en investigar los distintos imaginarios que se han forjado alrededor del archipiélago de Tierra del Fuego desde el siglo XVI hasta el presente. Dividido en cinco capítulos y articulado a través de un libro, una página web y un conjunto de instalaciones, este proyecto conjunta imagen fija, video, piezas de sonido así como poesía y fue realizado con un equipo de colaboradores. Mediante esta multiplicidad de recursos y soluciones, Janowski revisa distintas narrativas que vinculan al archipiélago ubicado en el extremo sur del continente con el imaginario del fin del mundo, como un territorio geográficamente distante y marcado por condiciones severamente adversas. Janowski divide A drift in blue en cinco capítulos, en los que distintos personajes o eventos juegan un lugar central. El capítulo 1, “El límite” trata sobre el encuentro y las primeras cartografías del archipiélago, como la realizada por el capitán Francisco de Hoces, en las que este territorio insular, marítimo y antártico aparece como una mezcla de realidad y fantasía. El segundo capítulo, “El oro”, aborda su periodo inicial de exploración a través de las crónicas de personajes como el capitán James Cook. Estas exploraciones sentaron el terreno para la expansión de la empresa colonial europea. “El fin”, título del capítulo 3, se relaciona con estos procesos mediante una revisión de las misiones evangelizadoras y figuras como Martín Gusinde. El trabajo fotográfico del sacerdote y etnógrafo vienes Gusinde, entre 1918 y 1924, habla de los procesos que transformaron a comunidades nativas de Tierra de Fuego a partir de ciertas políticas coloniales. El cuarto capítulo, “La huida” se enfoca en la historia de Tierra del Fuego como sitio idóneo para un centro penitenciario de alta seguridad y trata sobre la figura del anarquista ucraniano-argentino Simón Radowitzky quien después de escapar de la cárcel de Ushuaia partió a luchar en la Guerra Civil Española del lado Republicano y posteriormente, residió en México hasta su muerte. “Los últimos” es el capítulo final y presenta un escenario actual en el que predominan condiciones extremas junto a una creciente explotación instrumental de los recursos naturales. En su totalidad, estas narrativas dialogan y se comunican entre ellas, conjugando una idea del fin del mundo como un sitio de explotación, de extremos, como un lugar que pareciera estar en todo momento al borde de la extinción. Janowski utiliza en A drift in blue la fotografía como documentos a “medio camino entre la realidad y la ficción”. El artista parece integrar en cada una de sus imágenes distintas perspectivas, saberes y conocimientos sobre las situaciones que investiga. El aspecto documental de la fotografía, en este sentido, parece ser trastocado con esta perspectiva que desafía la existencia de una sola manera de entender la realidad; una postura que resuena con su formación como antropólogo. Janowski apuesta a una visión que no se limita a un entendimiento positivista de la cultura, asociado a una fotografía directa de orden documental. Plásticamente, esta especie de indeterminación en el significado de la imagen es conseguida en la fotografía a través de múltiples exposiciones, uso de luz artificial y flashes así como un acentuado uso de gelatinas azules que acrecientan el nivel de abstracción. La preponderancia de este tono no sólo busca relacionarse con las condiciones extremas del archipiélago sino lograr situar el espacio de Tierra del Fuego dentro de una condición afectiva específica, como un escenario melancólico. De aquí el juego de significados que puede sugerir el título del proyecto en inglés. Para esta exposición en Almanaque Fotografía, Janowski presenta un conjunto de fotografías así como una instalación que presenta video y material documental de A drift in blue – una pieza que expresa el carácter transmedia de este proyecto, mismo que abarca sus distintas formas de montaje. Las fotografías impresas pertenecen a los distintos capítulos que presentan imaginarios del fin del mundo. En una, por ejemplo, se puede apreciar una imagen que se puede identificar con el Sagrado Corazón. Perteneciente a “El fin”, esta fotografía registra un detalle encontrado en las ruinas de la Estancia María Behety establecida por la orden salesiana en 1897. La doble exposición de la fotografía trastoca el imaginario religioso con el fin de presentar una crítica a los procesos de colonización impuestos por la orden a las poblaciones locales selknam y yámanas. Daniel Garza Usabiaga. Ciudad de México, 2018.

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Manolo Márquez

Color Work: Sin título (AV1)

2019
C-Print
Unique Edition

35 x 48 cm

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El trabajo de Manolo Márquez aborda la fotografía como objeto que representa a otros objetos, atrapándolos para devolverlos al espectador en una aparición lumínica. Su serie más reciente consiste en impresiones únicas creadas en el cuarto oscuro de color con las que explora las posibilidades de la reproducción cromática y el registro del tiempo, emulando prácticas modernistas de hace un siglo con un acercamiento contemporáneo. En sus imágenes hay fondos fusionados con siluetas de objetos en movimiento realizados sin la mediación de una cámara, en un juego de luz y sombra, tiempo y química, precisión y azar. Al cuestionarse qué hace que una imagen sea considerada una fotografía, Márquez propone el uso del lenguaje visual de la pintura para crear objetos únicos que habitan en un línea media entre el discurso pictórico y la inmediatez fotográfica.

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Manolo Márquez

Color Work: Sin título (AV3)

2019
C-Print
Unique Edition

35 x 48 cm

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El trabajo de Manolo Márquez aborda la fotografía como objeto que representa a otros objetos, atrapándolos para devolverlos al espectador en una aparición lumínica. Su serie más reciente consiste en impresiones únicas creadas en el cuarto oscuro de color con las que explora las posibilidades de la reproducción cromática y el registro del tiempo, emulando prácticas modernistas de hace un siglo con un acercamiento contemporáneo. En sus imágenes hay fondos fusionados con siluetas de objetos en movimiento realizados sin la mediación de una cámara, en un juego de luz y sombra, tiempo y química, precisión y azar. Al cuestionarse qué hace que una imagen sea considerada una fotografía, Márquez propone el uso del lenguaje visual de la pintura para crear objetos únicos que habitan en un línea media entre el discurso pictórico y la inmediatez fotográfica.

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Manolo Márquez

Color Work: Sin título (AV2)

2019
C-Print
Unique Edition

35 x 48 cm

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El trabajo de Manolo Márquez aborda la fotografía como objeto que representa a otros objetos, atrapándolos para devolverlos al espectador en una aparición lumínica. Su serie más reciente consiste en impresiones únicas creadas en el cuarto oscuro de color con las que explora las posibilidades de la reproducción cromática y el registro del tiempo, emulando prácticas modernistas de hace un siglo con un acercamiento contemporáneo. En sus imágenes hay fondos fusionados con siluetas de objetos en movimiento realizados sin la mediación de una cámara, en un juego de luz y sombra, tiempo y química, precisión y azar. Al cuestionarse qué hace que una imagen sea considerada una fotografía, Márquez propone el uso del lenguaje visual de la pintura para crear objetos únicos que habitan en un línea media entre el discurso pictórico y la inmediatez fotográfica.

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Manolo Márquez

Color Work: Sin título (RN1)

2019
C-Print
Unique Edition

35 x 48 cm

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El trabajo de Manolo Márquez aborda la fotografía como objeto que representa a otros objetos, atrapándolos para devolverlos al espectador en una aparición lumínica. Su serie más reciente consiste en impresiones únicas creadas en el cuarto oscuro de color con las que explora las posibilidades de la reproducción cromática y el registro del tiempo, emulando prácticas modernistas de hace un siglo con un acercamiento contemporáneo. En sus imágenes hay fondos fusionados con siluetas de objetos en movimiento realizados sin la mediación de una cámara, en un juego de luz y sombra, tiempo y química, precisión y azar. Al cuestionarse qué hace que una imagen sea considerada una fotografía, Márquez propone el uso del lenguaje visual de la pintura para crear objetos únicos que habitan en un línea media entre el discurso pictórico y la inmediatez fotográfica.

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Jorge Miño

Nebulosa: Untitled

2017
Archival pigment print
Ed. of 3/5 + 2 A.P.

123 x 150 cm

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La fotografía de Miño se construye forma onírica. Inducen a soñar con la arquitectura y los espacios que habitamos a partir de imágenes que, en todo momento, están a punto de convertirse en otra cosa. A través de veladuras y transparencias, se revelan para nosotros en una suerte de visión endoscópica. Las construcciones se sondean como las cavidades ocultas de un cuerpo, del que emerge un mundo íntimo: el paisaje interior de las edificaciones. Se trata de visiones que corroen el sentido común, también denuncian aquello que reprimen las estructuras formales del espacio: la alteridad en la identidad, lo espectral en lo sólido, el vacío en lo lleno, lo abstracto que se esconde en lo muy concreto. Al prescindir de toda aparición de la figura humana, queda al desnudo la propia morfología del espacio arquitectónico. La sensualidad de la forma se refuerza una vez que se ha desmaterializado todo lo que la hizo posible. 

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Ricardo Nicolayevsky

Lost Photos 05

1989
Archival Pigment Print
Ed. 7 +2 A.P.

24 x 16 cm

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Para Splash of Light, Nicolayevsky presenta obra variada que pertenece a distintas series y épocas, producida a partir de los procesos de abstracción propios del surgimiento, del surrealismo y las primeras vanguardias del arte traducidas a nuestros tiempos; collage con material fotográfico, dobles exposiciones y foto intervenida. “Uno de los artistas más representativos de su generación, su obra pertenece a las colecciones del MoMA y MUAC. Sus obras multidisciplinaria funciona como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra y a la imagen. Un mundo público y privado capturado desde hace 35 años —en un Nueva York y una Ciudad de México ya inexistentes— que se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora..." Corina Koch, Curadora.

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Ricardo Nicolayevsky

Roma 1993

1993
Foto 35mm taken and cut by the artist
Unique Edition

34 x 40 cm

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Para Splash of Light, Nicolayevsky presenta obra variada que pertenece a distintas series y épocas, producida a partir de los procesos de abstracción propios del surgimiento, del surrealismo y las primeras vanguardias del arte traducidas a nuestros tiempos; collage con material fotográfico, dobles exposiciones y foto intervenida. “Uno de los artistas más representativos de su generación, su obra pertenece a las colecciones del MoMA y MUAC. Sus obras multidisciplinaria funciona como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra y a la imagen. Un mundo público y privado capturado desde hace 35 años —en un Nueva York y una Ciudad de México ya inexistentes— que se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora..." Corina Koch, Curadora.

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Ricardo Nicolayevsky

No Foto: Untitled

1989
Archival Pigment Print
Ed. of 3

38 x 41 cm

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Para Splash of Light, Nicolayevsky presenta obra variada que pertenece a distintas series y épocas, producida a partir de los procesos de abstracción propios del surgimiento, del surrealismo y las primeras vanguardias del arte traducidas a nuestros tiempos; collage con material fotográfico, dobles exposiciones y foto intervenida. “Uno de los artistas más representativos de su generación, su obra pertenece a las colecciones del MoMA y MUAC. Sus obras multidisciplinaria funciona como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra y a la imagen. Un mundo público y privado capturado desde hace 35 años —en un Nueva York y una Ciudad de México ya inexistentes— que se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora..." Corina Koch, Curadora.

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Iluikak: Árbol blanco

2016
Ed. 3 + 2 A.P.
Backlint print in lightbox

45 x 30 cm

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“Iluikak (2016-18) obra más reciente de la fotógrafa y exposición individual en ALMANAQUE, fue desarrollada en las montañas de la sierra de Zongolica, Veracruz.“Iluikak” es una lectura personal de la fotógrafa del misticismo que conforma las relaciones existentes entre la naturaleza, la identidad y el territorio, en la que el color y la iluminación son fundamentales y dotan de una especificidad al conjunto de fotografías de la serie.`La construcción de esta serie es lenta. Se trata de dos temporalidades desdobladas. Por un lado, el tiempo de la imagen que vemos, siempre en relación al presente; la luz, el estallido lumínico es siempre el ahora, después el incendio, el fuego o la obscuridad. El otro tiempo es el momento previo, aquel que no observamos: viajar, subir la montaña, hablar, componer, construir, retrabajar la imagen… El artificio lumínico y técnico permite contradictoriamente hablar desde la obscuridad.” Amanda de la Garza, Curadora.

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Iluikak: Remojo

2016
Ed. 7 + 2 A.P.
Fine Art Print

40 x 26.6 cm

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“Iluikak (2016-18) obra más reciente de la fotógrafa y exposición individual en ALMANAQUE, fue desarrollada en las montañas de la sierra de Zongolica, Veracruz.“Iluikak” es una lectura personal de la fotógrafa del misticismo que conforma las relaciones existentes entre la naturaleza, la identidad y el territorio, en la que el color y la iluminación son fundamentales y dotan de una especificidad al conjunto de fotografías de la serie.`La construcción de esta serie es lenta. Se trata de dos temporalidades desdobladas. Por un lado, el tiempo de la imagen que vemos, siempre en relación al presente; la luz, el estallido lumínico es siempre el ahora, después el incendio, el fuego o la obscuridad. El otro tiempo es el momento previo, aquel que no observamos: viajar, subir la montaña, hablar, componer, construir, retrabajar la imagen… El artificio lumínico y técnico permite contradictoriamente hablar desde la obscuridad.” Amanda de la Garza, Curadora.

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Una fotografía como retrato de la realidad es especialmente debatible si es realizada pensando en las formas de la luz, en lugar del objeto retratado.

Una imagen abstracta -testimonio de la incapacidad del medio para reproducir la realidad- genera una ficción que solo existe en nuestra imaginación.

Mediante las estrategias de la abstracción, el fotógrafo como artista dispara en el observador sensaciones atribuibles al resto de las artes visuales (e incluso a las escénicas como en el ballet contemporáneo o la música), generando emociones sutiles, amplias y personales que escapan a la razón o a cualquier algoritmo predictor. La abstracción nos humaniza.

Desde los más de 100 años en los que Lázló Moholy-Nagy produjo analógicamente sus célebres fotografías no figurativas, hasta los enormes Freischwimmers digitales de Wolfgang Tillmans, lo que llamamos abstracto ha cambiado, tanto en la foto como en las demás artes.

Splash of Light reúne un conjunto de obra contemporánea de premiados artistas latinoamericanos, que merodean lo abstracto para pensar en sus imágenes como objetos tridimensionales emergidos de la virtualidad; en los que lo retratado significa algo distinto.

Estas enigmáticas piezas de Aglae Cortés, Mariana Corcuera, Nicolás Janowski, Jorge Miño, Manolo Márquez y Mara Sánchez Renero -quienes poseen también abundante obra figurativa- parecen dibujadas con ráfagas de viento o salpicones de luz.

Hace un siglo, con el surgimiento del arte abstracto, nos liberamos de la narrativa descriptiva. Lázló Moholy-Nagy señalaba: “El instrumento de la foto no es la cámara sino el plano donde algo se revela” y Mallarmé le exigía a los artistas: “no reportar” para estimular el misterio poético de la mente humana que traduce sensaciones a partir del color, forma y textura en aquellos observadores que, tanto entonces como ahora, desean imaginar nuevas realidades en el arte, en sus vidas y en el mundo.

Arturo Delgado. Ciudad de México, 2019