Jon Cazenave

2015Ed. 6 + 2 P.A.
Archival pigment print

35 x 35 cm

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AMA LUR (expuesta en Body Matters) es el capítulo final de su proyecto de investigación Galerna que inició hace 8 años. Cazenave retrocede aquí hasta el paleolítico superior y centra su estudio en el mundo simbólico y ritual del arte rupestre de ambas vertientes de la cordillera pirenaica para reinterpretar el rastro de los seres humanos que vivían en este entorno. “En vasco, URAITZ significa Agua Piedra. La materia pétrea es moldeada por el agua y es el agua la que emulsiona el pigmento rojo obtenido de la piedra que después aplico. EME OBENE significa Obene hembra. Obene es el nombre de un lugar en el bosque donde realicé esta fotografía. SAKON significa PROFUNDO. El agujero y el agua tienen el simbolismo femenino de profundidad y gestación”.

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Jon Cazenave

2015
Ed. 6 + 2 P.A.
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35 x 35 cm

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AMA LUR (expuesta en Body Matters) es el capítulo final de su proyecto de investigación Galerna que inició hace 8 años. Cazenave retrocede aquí hasta el paleolítico superior y centra su estudio en el mundo simbólico y ritual del arte rupestre de ambas vertientes de la cordillera pirenaica para reinterpretar el rastro de los seres humanos que vivían en este entorno. “En vasco, URAITZ significa Agua Piedra. La materia pétrea es moldeada por el agua y es el agua la que emulsiona el pigmento rojo obtenido de la piedra que después aplico. EME OBENE significa Obene hembra. Obene es el nombre de un lugar en el bosque donde realicé esta fotografía. SAKON significa PROFUNDO. El agujero y el agua tienen el simbolismo femenino de profundidad y gestación”.

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Jon Cazenave

2015
Ed. 6 + 2 P.A.
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35 x 35 cm

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AMA LUR (expuesta en Body Matters) es el capítulo final de su proyecto de investigación Galerna que inició hace 8 años. Cazenave retrocede aquí hasta el paleolítico superior y centra su estudio en el mundo simbólico y ritual del arte rupestre de ambas vertientes de la cordillera pirenaica para reinterpretar el rastro de los seres humanos que vivían en este entorno. “En vasco, URAITZ significa Agua Piedra. La materia pétrea es moldeada por el agua y es el agua la que emulsiona el pigmento rojo obtenido de la piedra que después aplico. EME OBENE significa Obene hembra. Obene es el nombre de un lugar en el bosque donde realicé esta fotografía. SAKON significa PROFUNDO. El agujero y el agua tienen el simbolismo femenino de profundidad y gestación”.

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Sakiko Nomura

Nude a room: 03

2012
Ed. 7 + 2 P.A.
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35,6 x 27,9 cm

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De la serie: Nude | A room | Flowers (2012) compuesta por imágenes al mismo tiempo sensuales y oscuras alternando blanco y negro y el color, que exudan emociones carnales y sensuales en cada una de sus obras.

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Sakiko Nomura

Nude a room: 04

2012
Ed. 7 + 2 P.A.
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Sakiko Nomura

Night Flight

2008
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Ed. 7 + 2 P.A.

25,4 x 20,3 cm

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De la serie: Nude | A room | Flowers (2012) compuesta por imágenes al mismo tiempo sensuales y oscuras alternando blanco y negro y el color, que exudan emociones carnales y sensuales en cada una de sus obras.

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Sakiko Nomura

Flower: Red

2012
Ed. 7 + 2 P.A.
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40,6 x 50,8 cm

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De la serie: Nude | A room | Flowers (2012) compuesta por imágenes al mismo tiempo sensuales y oscuras alternando blanco y negro y el color, que exudan emociones carnales y sensuales en cada una de sus obras.

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Jesús León

Good, better, best, bested: 02

2012
Ed. 7 + 2 P.A.
Digital print on photographic paper

130 x 77 cm

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Domestic Fine Arts. Bajo el pseudónimo Domestic Fine Arts, Jésus Léon ha combinado fotografía, música y prácticas periodísticas por más de quince años. Su imaginario en el que muestra a ‘modelos’ posee no solo el glamour de una revista de moda, sino que permite personificar escenas profundamente románticas. En el trabajo de León Hernández, la intensidad de la propia vida se vuelve frágil y fugaz, para mostrar una versión oscura del amor, la oscuridad y la destrucción.

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Jesús León

Good, better, best, bested: 01

2012
Ed. 7 + 2 P.A.
Digital print on photographic paper

130 x 77 cm

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Domestic Fine Arts. Bajo el pseudónimo Domestic Fine Arts, Jésus Léon ha combinado fotografía, música y prácticas periodísticas por más de quince años. Su imaginario en el que muestra a ‘modelos’ posee no solo el glamour de una revista de moda, sino que permite personificar escenas profundamente románticas. En el trabajo de León Hernández, la intensidad de la propia vida se vuelve frágil y fugaz, para mostrar una versión oscura del amor, la oscuridad y la destrucción.

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Ricardo Nicolayevsky

Lost Photos 01

1983 - 2016
Ed. 7 + 2 P.A.
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24 x 16 cm

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Lost Photos & NYC’83 video-art portrait (1982 - 2017) La reunión de dos cuerpos de obras, compuestas por fotografía y videoarte, constituyen la propuesta de Ricardo Nicolayevsky para ALMANAQUE. Post-producidas a lo largo de más de dos décadas, las obras funcionan como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra.Imagen fija y en movimiento de un mundo público y privado capturado hace 35 años —en un Nueva York ya inexistente— se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora. Lost Photos-NYC’83 dialoga con nuestro presente que amenaza a la libertad de expresión y a los derechos humanos en un nuevo status-quo. Se trata de una serie fotográfica con imágenes íntimas y enigmáticas, mientras que el videoarte: NYC’83 es un retrato donde lo público y lo privado se fundían en las calles de la ciudad abierta a todas las posibilidades. La serie Lost Photos  —de esencia experimental— ha sido montada en un estilo clásico, provocando que lo narrativo y lo poético se confundan con la abstracción y el hallazgo afortunado. El videoarte NYC’83 captura el espíritu Punk y New Wave de un joven Nicolayevsky, observando a la metrópolis idílica del siglo XX. En 2016, el MoMA adquirió 61 piezas de la serie Lost Portraits, de las cual se desprende este retrato total de la capital del occidente donde aparecen las calles, sus habitantes y el propio autor. El paso del tiempo ha sido la materia prima en la producción de estas obras. “Es imposible matar el tiempo sin herirlo” declara Nicolayevsky en uno de sus célebres aforismos.

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Ricardo Nicolayevsky

Lost Photos 02

1983 - 2016
Ed. 7 + 2 P.A
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24 x 16 cm

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Lost Photos & NYC’83 video-art portrait (1982 - 2017) La reunión de dos cuerpos de obras, compuestas por fotografía y videoarte, constituyen la propuesta de Ricardo Nicolayevsky para ALMANAQUE. Post-producidas a lo largo de más de dos décadas, las obras funcionan como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra.Imagen fija y en movimiento de un mundo público y privado capturado hace 35 años —en un Nueva York ya inexistente— se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora. Lost Photos-NYC’83 dialoga con nuestro presente que amenaza a la libertad de expresión y a los derechos humanos en un nuevo status-quo. Se trata de una serie fotográfica con imágenes íntimas y enigmáticas, mientras que el videoarte: NYC’83 es un retrato donde lo público y lo privado se fundían en las calles de la ciudad abierta a todas las posibilidades. La serie Lost Photos  —de esencia experimental— ha sido montada en un estilo clásico, provocando que lo narrativo y lo poético se confundan con la abstracción y el hallazgo afortunado. El videoarte NYC’83 captura el espíritu Punk y New Wave de un joven Nicolayevsky, observando a la metrópolis idílica del siglo XX. En 2016, el MoMA adquirió 61 piezas de la serie Lost Portraits, de las cual se desprende este retrato total de la capital del occidente donde aparecen las calles, sus habitantes y el propio autor. El paso del tiempo ha sido la materia prima en la producción de estas obras. “Es imposible matar el tiempo sin herirlo” declara Nicolayevsky en uno de sus célebres aforismos.

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Ricardo Nicolayevsky

Lost Photos 03

1983 - 2016
Ed. 7 + 2 P.A.
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24 x 16 cm

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Lost Photos & NYC’83 video-art portrait (1982 - 2017) La reunión de dos cuerpos de obras, compuestas por fotografía y videoarte, constituyen la propuesta de Ricardo Nicolayevsky para ALMANAQUE. Post-producidas a lo largo de más de dos décadas, las obras funcionan como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra.Imagen fija y en movimiento de un mundo público y privado capturado hace 35 años —en un Nueva York ya inexistente— se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora. Lost Photos-NYC’83 dialoga con nuestro presente que amenaza a la libertad de expresión y a los derechos humanos en un nuevo status-quo. Se trata de una serie fotográfica con imágenes íntimas y enigmáticas, mientras que el videoarte: NYC’83 es un retrato donde lo público y lo privado se fundían en las calles de la ciudad abierta a todas las posibilidades. La serie Lost Photos  —de esencia experimental— ha sido montada en un estilo clásico, provocando que lo narrativo y lo poético se confundan con la abstracción y el hallazgo afortunado. El videoarte NYC’83 captura el espíritu Punk y New Wave de un joven Nicolayevsky, observando a la metrópolis idílica del siglo XX. En 2016, el MoMA adquirió 61 piezas de la serie Lost Portraits, de las cual se desprende este retrato total de la capital del occidente donde aparecen las calles, sus habitantes y el propio autor. El paso del tiempo ha sido la materia prima en la producción de estas obras. “Es imposible matar el tiempo sin herirlo” declara Nicolayevsky en uno de sus célebres aforismos.

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Ricardo Nicolayevsky

Lost Photos 04

1983 - 2016
Ed. 7 + 2 P.A.
Archival pigment print

24 x 16 cm

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Lost Photos & NYC’83 video-art portrait (1982 - 2017) La reunión de dos cuerpos de obras, compuestas por fotografía y videoarte, constituyen la propuesta de Ricardo Nicolayevsky para ALMANAQUE. Post-producidas a lo largo de más de dos décadas, las obras funcionan como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra.Imagen fija y en movimiento de un mundo público y privado capturado hace 35 años —en un Nueva York ya inexistente— se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora. Lost Photos-NYC’83 dialoga con nuestro presente que amenaza a la libertad de expresión y a los derechos humanos en un nuevo status-quo. Se trata de una serie fotográfica con imágenes íntimas y enigmáticas, mientras que el videoarte: NYC’83 es un retrato donde lo público y lo privado se fundían en las calles de la ciudad abierta a todas las posibilidades. La serie Lost Photos  —de esencia experimental— ha sido montada en un estilo clásico, provocando que lo narrativo y lo poético se confundan con la abstracción y el hallazgo afortunado. El videoarte NYC’83 captura el espíritu Punk y New Wave de un joven Nicolayevsky, observando a la metrópolis idílica del siglo XX. En 2016, el MoMA adquirió 61 piezas de la serie Lost Portraits, de las cual se desprende este retrato total de la capital del occidente donde aparecen las calles, sus habitantes y el propio autor. El paso del tiempo ha sido la materia prima en la producción de estas obras. “Es imposible matar el tiempo sin herirlo” declara Nicolayevsky en uno de sus célebres aforismos.

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Ricardo Nicolayevsky

Lost Photos 05

1983 - 2016
Ed. 7 + 2 P.A.
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24 x 16 cm

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Ricardo Nicolayevsky

Lost Photos 06

1983 - 2016
Ed. 7 + 2 P.A.
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24 x 16 cm

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Heji Shin

Painted body 01

2010
Ed. 7 + 2 A.P.
Archival pigment print

48 x 54 cm

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Painted Body (2010). En esta serie Shin implica el proceso de pintura, así como la forma para la construcción de su imagen en el proceso fotográfico. Mediante la incorporación de un proceso pictórico, el cuerpo delante de la cámara se convierte en una forma abstracta que se objetiviza, más aún, se fetichiza. Las posturas del torso blanco, recuerdan esculturas helenísticas, mientras que la paleta de color utilizada por Shin, traza una referencia a la portada del disco de la banda británica Pulp  ‘This is Hardcore’.

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Heji Shin

Painted body 02

2010
Ed. 7 + 2 A.P.
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48 x 54 cm

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Painted Body (2010). En esta serie Shin implica el proceso de pintura, así como la forma para la construcción de su imagen en el proceso fotográfico. Mediante la incorporación de un proceso pictórico, el cuerpo delante de la cámara se convierte en una forma abstracta que se objetiviza, más aún, se fetichiza. Las posturas del torso blanco, recuerdan esculturas helenísticas, mientras que la paleta de color utilizada por Shin, traza una referencia a la portada del disco de la banda británica Pulp  ‘This is Hardcore’.

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Heji Shin

Painted body 03

2010
Ed. 7 + 2 A.P.
Archival pigment print

48 x 54 cm

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Painted Body (2010). En esta serie Shin implica el proceso de pintura, así como la forma para la construcción de su imagen en el proceso fotográfico. Mediante la incorporación de un proceso pictórico, el cuerpo delante de la cámara se convierte en una forma abstracta que se objetiviza, más aún, se fetichiza. Las posturas del torso blanco, recuerdan esculturas helenísticas, mientras que la paleta de color utilizada por Shin, traza una referencia a la portada del disco de la banda británica Pulp  ‘This is Hardcore’.

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Heji Shin

Painted body 05

2010
Ed. 7 + 2 A.P.
Archival pigment print

48 x 54 cm

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Painted Body (2010). En esta serie Shin implica el proceso de pintura, así como la forma para la construcción de su imagen en el proceso fotográfico. Mediante la incorporación de un proceso pictórico, el cuerpo delante de la cámara se convierte en una forma abstracta que se objetiviza, más aún, se fetichiza. Las posturas del torso blanco, recuerdan esculturas helenísticas, mientras que la paleta de color utilizada por Shin, traza una referencia a la portada del disco de la banda británica Pulp  ‘This is Hardcore’.

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Heji Shin

Painted body 04

2010
Ed. 7 + 2 A.P.
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48 x 54 cm

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Painted Body (2010). En esta serie Shin implica el proceso de pintura, así como la forma para la construcción de su imagen en el proceso fotográfico. Mediante la incorporación de un proceso pictórico, el cuerpo delante de la cámara se convierte en una forma abstracta que se objetiviza, más aún, se fetichiza. Las posturas del torso blanco, recuerdan esculturas helenísticas, mientras que la paleta de color utilizada por Shin, traza una referencia a la portada del disco de la banda británica Pulp  ‘This is Hardcore’.

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Body Matters

Jon Cazenave (SP)

Jesús León (MX)

Ricardo Nicolayevsky (MX)

Sakiko Nomura (JA)

Heji Shin (SK)

Curating: Corinna Koch

 

Para la Física un cuerpo es una colección identificable de materia mas o menos constreñida, capaz de moverse en conjunto dentro de un espacio de tres dimensiones. Cada uno posee una identidad única e independiente. Así, dos objetos idénticos en sus propiedades —excepto forma y posición— logran permanecer distinguibles.

Definimos a los objetos por la simple representación de sus límites, de acuerdo a nuestra percepción personal, y por tanto, única. No obstante, las partes de cada objeto, así como nuestra percepción cambian con el tiempo en virtud de los significados que les asignamos.

Martin Heidegger nos recuerda en El origen de la obra de arte: 

“En-cumbrimiento y des-cubrimiento son las pre-condiciones necesarias para el ocultamiento (Alétheia), es decir, la Verdad. Tan pronto el significado se oculta y la obra de arte no opone resistencia a la racionalización, el vínculo que formaba la visión completa culmina, y los retos de verdad se dispersan en el espacio”

Cuando encaramos al arte, nos enfrentamos a un enigma y la existencia de la verdad es el producto de esa batalla de la materia ocurriendo dentro de la obra de arte.

La exposición de otoño de ALMANAQUE: ‘Body Matters’  muestra un alcance exuberante de cinco artistas alrededor del planeta, quienes describen cierto vínculo con la de-construcción de las cosas, fraguando una noción de belleza en sus materias.

 

Corinna Koch & Arturo Delgado. Ciudad de México, 2016