Ricardo Nicolayevsky

Lost Photos: Red 03

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Lost Photos & NYC’83 video-art portrait (1982 - 2017) La reunión de dos cuerpos de obras, compuestas por fotografía y videoarte, constituyen la propuesta de Ricardo Nicolayevsky para ALMANAQUE. Post-producidas a lo largo de más de dos décadas, las obras funcionan como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra.Imagen fija y en movimiento de un mundo público y privado capturado hace 35 años —en un Nueva York ya inexistente— se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora. Lost Photos-NYC’83 dialoga con nuestro presente que amenaza a la libertad de expresión y a los derechos humanos en un nuevo status-quo. Se trata de una serie fotográfica con imágenes íntimas y enigmáticas, mientras que el videoarte: NYC’83 es un retrato donde lo público y lo privado se fundían en las calles de la ciudad abierta a todas las posibilidades. La serie Lost Photos  —de esencia experimental— ha sido montada en un estilo clásico, provocando que lo narrativo y lo poético se confundan con la abstracción y el hallazgo afortunado. El videoarte NYC’83 captura el espíritu Punk y New Wave de un joven Nicolayevsky, observando a la metrópolis idílica del siglo XX. En 2016, el MoMA adquirió 61 piezas de la serie Lost Portraits, de las cual se desprende este retrato total de la capital del occidente donde aparecen las calles, sus habitantes y el propio autor. El paso del tiempo ha sido la materia prima en la producción de estas obras. “Es imposible matar el tiempo sin herirlo” declara Nicolayevsky en uno de sus célebres aforismos.

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Ricardo Nicolayevsky

Lost Photos: Red 02

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Lost Photos & NYC’83 video-art portrait (1982 - 2017) La reunión de dos cuerpos de obras, compuestas por fotografía y videoarte, constituyen la propuesta de Ricardo Nicolayevsky para ALMANAQUE. Post-producidas a lo largo de más de dos décadas, las obras funcionan como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra.Imagen fija y en movimiento de un mundo público y privado capturado hace 35 años —en un Nueva York ya inexistente— se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora. Lost Photos-NYC’83 dialoga con nuestro presente que amenaza a la libertad de expresión y a los derechos humanos en un nuevo status-quo. Se trata de una serie fotográfica con imágenes íntimas y enigmáticas, mientras que el videoarte: NYC’83 es un retrato donde lo público y lo privado se fundían en las calles de la ciudad abierta a todas las posibilidades. La serie Lost Photos  —de esencia experimental— ha sido montada en un estilo clásico, provocando que lo narrativo y lo poético se confundan con la abstracción y el hallazgo afortunado. El videoarte NYC’83 captura el espíritu Punk y New Wave de un joven Nicolayevsky, observando a la metrópolis idílica del siglo XX. En 2016, el MoMA adquirió 61 piezas de la serie Lost Portraits, de las cual se desprende este retrato total de la capital del occidente donde aparecen las calles, sus habitantes y el propio autor. El paso del tiempo ha sido la materia prima en la producción de estas obras. “Es imposible matar el tiempo sin herirlo” declara Nicolayevsky en uno de sus célebres aforismos.

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Lost Photos: NYC-83 WTC

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Lost Photos & NYC’83 video-art portrait (1982 - 2017) La reunión de dos cuerpos de obras, compuestas por fotografía y videoarte, constituyen la propuesta de Ricardo Nicolayevsky para ALMANAQUE. Post-producidas a lo largo de más de dos décadas, las obras funcionan como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra.Imagen fija y en movimiento de un mundo público y privado capturado hace 35 años —en un Nueva York ya inexistente— se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora. Lost Photos-NYC’83 dialoga con nuestro presente que amenaza a la libertad de expresión y a los derechos humanos en un nuevo status-quo. Se trata de una serie fotográfica con imágenes íntimas y enigmáticas, mientras que el videoarte: NYC’83 es un retrato donde lo público y lo privado se fundían en las calles de la ciudad abierta a todas las posibilidades. La serie Lost Photos  —de esencia experimental— ha sido montada en un estilo clásico, provocando que lo narrativo y lo poético se confundan con la abstracción y el hallazgo afortunado. El videoarte NYC’83 captura el espíritu Punk y New Wave de un joven Nicolayevsky, observando a la metrópolis idílica del siglo XX. En 2016, el MoMA adquirió 61 piezas de la serie Lost Portraits, de las cual se desprende este retrato total de la capital del occidente donde aparecen las calles, sus habitantes y el propio autor. El paso del tiempo ha sido la materia prima en la producción de estas obras. “Es imposible matar el tiempo sin herirlo” declara Nicolayevsky en uno de sus célebres aforismos.

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Dorine Potel

Fake Faun: Milk

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Fake Faun (2014) se inspira en el poema de Mallarmé L’après midi d’un faune (1876), que fuera adaptado a partitura musical por Debussy, posteriormente coreografiada por Nijinski para Les Ballets Russes en 1912 —causando conmoción y controversia épica— para luego ser adaptada por Nuréyev y actualmente reinterpretado por diversas compañías de ballet del mundo. La serie cuenta una mitología personal en la que el fauno salvaje se transforma en una joven mujer que encarna orgullosamente a la criatura sensual, sobre un fondo falso de cartón piedra, amenazada por la ciudad y las tentaciones contemporáneas. Entre edificios, en una sobredosis de luz azul. Ahora yace vencida por la urbanidad.

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José Luis Cuevas

Untitled (Virgin)

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Fernando Etulain

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Tania Franco Klein

Our Life in the Shadows: Barren Land (Self-portrait)

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Our Life in the Shadows (Nuestra vida en las sombras) (2016-2017). Fotografía escenificada elaborada meticulosamente para la cámara, deviene en imágenes intensas que revelan un tratamiento obsesivo del color como lenguaje para evocar un sentido de misterio y evanescencia que transcurre entre el letargo y la vigilia. Sus personajes, al mismo tiempo fascinantes y exhaustos, parecen estar al borde de la derrota y la esperanza. “En La sociedad del cansancio (Stanford University Press, 2012), el filósofo Byung-Chul Han explora la idea de que la sobrecarga de la tecnología moderna y la “cultura de la conveniencia” son el catalizador de la depresión y diversos desórdenes de la personalidad. Franco-Klein coloca esta contradicción al centro de su proyecto autobiográfico en proceso, el cual explora también la aspiración del Sueño Americano y las facetas de la perfección. —Tenemos una compulsión por nuestro desempeño y vivimos en una sociedad de logros positivista que nos ha dejado con una constante fatiga— señala. El uso de bloques de color dramáticos y audaces que sumergen a cada imagen en tonalidades separadas, funcionan de contrapeso al temperamento introvertido en la ficción de sus personajes femeninos La fotógrafa presta una atención detallada a los espacios utilizados como telón de fondo para los sentimientos que comunica. Encuentra sus locaciones tocando puertas de desconocidos y fabrica sus propios escenarios y utilería, casi siempre desde cero. Quizá por eso no sorprende que llegará a la fotografía mientras estudiaba arquitectura en México, estudiando posteriormente la maestría en fotografía de moda en la University of the Arts London en 2014. Su narrativa conlleva una ambigüedad que incita al espectador a aplicar su propia historia e interpretación y así quizá reflexione en nuestras identidades duales modernas. —Estamos siempre tratando de crear identidades mediante las redes sociales para expresar la parte buena de nosotros mismos, como si hubiera algún tipo de vergüenza de saber lo que somos del otro lado ... porque sentimos que hemos fallado en lo que se supuestamente deberíamos ser—.” Extracto de la publicación British Journal of Photography. Issue 7859. Mayo 2017. p. 27. Reino Unido.

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José Luis Cuevas

Observaciones sobre la resistencia: Sin título (Humo)

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Observaciones sobre la resistencia (2014-16) is a series exploring human’s nature and destiny as a physical-emotional vulnerable subject. The images depict an approximation to mankind fragility in constant erosion upon their existence vicissitudes in time and space. Cuevas’ Observations question the constant degradation of a social and economic system which analyzes, organizes, controls, uses, dismantles and replaces once its resistance ability is diminished. Thus, Observations on the bodies’ resistance lays out a symbolic look to some of Mexico City’s inhabitants —accomplices of their own violence and tragedy — shown as characters that exist as co-perpetrators of the system that produces them. This body of works depicts our capacity to resist our own frictions and weights in our backs.

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Danila Tkachenko

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Lost Horizon (Horizonte perdido), 2016. El mundo prometido por la Revolución de octubre tendría que haber sido no solo justo y próspero, sino que debía haber trascendido el planeta para colonizar el espacio exterior. El régimen socialista debía haber sido establecido no solo en el espacio, sino en el tiempo, ayudado por la tecnología que habría permitido convertir un instante en eternidad. Sin embargo, precisamente con el paso del tiempo, las fallas económicas han traído toda suerte de desilusión sobre las utopías políticas y sobre la promesa de un futuro brillante. En Lost Horizon, Tkachenko captura objetos que representan la imagen de un futuro cósmico ideal perdido. Tkachenko eligió el formato 6x6, para encapsular el estado utópico de los proyectos futuristas en la forma suprematista propuesta por su connacional Kasimir Malevich’s, fundador de las Vanguardias rusas en su célebre ‘Cuadro negro’ de 1917, que constituyendo una pieza revolucionaria del arte, refleja la época histórica en que fue concebido.

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Dorine Potel

Endgame

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Endgame (2014) Su título hace eco a la obra de teatro de Samuel Beckett: Final de Partida (escrita en 1957), donde a pesar de rehusarse a contar algo, la obra continua. El objeto nos remonta al universo festivo de las discotecas, esos mágicos sitios nocturnos (¡que son bastante macabros durante el día!). Primordialmente un soporte para la experimentación y prueba cierta materialidad, a imagen condensa literalmente distintos significados en uno, mediante una doble exposición invertida. Un pretexto para interpretar, contemplar y relacionar, pero prestos, antes de que la fiesta termine y fenezca.

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Pablo Ortiz-Monasterio

Desaparecen: Untitled

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Mara Sánchez-Renero

El Cimarrón y el Fandango: Los diablos

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El Cimarrón y el Fandango (2014), habla alegóricamente sobre el pasado de una comunidad de origen africano y el viaje de sus miembros a través de las fluctuaciones de la historia colonial, su integración en el territorio mexicano, y su sentido de identidad dentro de ella. No obstante, ese pasado no es solo la descripción de un concepto histórico; es -sobre todo- una definición de la presente. Un presente, en el caso de sus descendientes afro-mexicanos, que permanecen marginados, inestables e inmemorables para el discurso hegemónico.

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ALMANAQUE SALÓN, una colaboración especial para celebrar la cultura del diseño, el interiorismo y la fotografía contemporánea.

Para su primera edición, ALMANAQUE SALÓN se enorgullece en colaborar con Clemence Seilles, fundadora del estudio de diseño Stromboli.Associates, compartiendo su vanguardista visión del design y el interiorismo en diálogo con una selección de obra fotográfica de prestigiados artistas incluyendo a José Luis Cuevas (MX, 1973), Tania Franco-Klein (MX), Jesús León (MX), Pablo Ortiz Monasterio (MX), Dorine Potel (FR) y Danila Tkachenko (RU).

Esta selección de obra fotográfica internacional de nuestro catalogo será exhibida en una instalación inmersiva original, concebida por Stromboli.Associates con piezas de mobiliario, iluminación y objets d’arts.

ACERCA DE ALMANAQUE SALÓN

ALMANAQUE SALÓN es parte de ALMANAQUE Portafolio, division de nuestro proyecto dedicada a consultoría profesional en curaduría, coleccionismo, adquisición y dirección de arte para corporaciones, instituciones y entidades privadas que incluyen museos y las principales instituciones culturales y artísticas del país, así como la dirección de arte de las ultimas tres campanas publicitarias de Casa Palacio o el interiorismo fotográfico para diversas multinacionales ubicadas en la Torre Virreyes diseñada por Teodoro González de León.

 

ACERCA DE STROMBOLI.ASSOCIATES
Stromboli.Associates, estudio y marca de diseño contemporáneo fundado en la Ciudad de México por la francesa Clemence Seilles, diseñadora industrial, artista y poeta que produce objetos y mobiliario únicos e ines- perados para exaltar nuestra imaginación. Sus sofisticados clientes están en búsqueda de un diseño genuino y original más allá de lo disponible en el mercado, a un precio razonable. Además de su colección anual, la marca desarrolla producción independiente diseñada por artistas y poetas de objetos, intervenciones y experimenta- ciones a través de talleres.
Stromboli.Associates ha colaborado con la marca italiana de lentes OXYDO, los diseñadores Andrea Crews, Elisa Valenzuela, Fabien Cappello y Travis Broussard, así como con los artistas Theo Demans y Melanie Bonajo.