Aglae Cortés

(Los otros) recuerdos del futuro: Tiempo Latente

2016
Fine Art print & Acid free varnish
Ed. 7 + 2 A.P.

100 x 67 cm

More
View in Room
inquire

“Vivimos en un contexto social, politico y cultural incierto. Los acelerados avances tecnológicos no siempre van de la mano con el avance del pensamiento, lo que genera una fuerte sensación de terra-incógnita sobre el futuro. (Los otros) recuerdos del futuro es un cuerpo de trabajo de largo aliento que inició el año pasado a partir de una residencia artística en Fiskars, Finlandia y pretende desarrollarse en diferentes latitudes. Las condiciones territoriales en extremo opuestas a mi cotidianidad, un pequeño pueblo de 50 habitantes y culturalmente fríos, en pleno invierno polar, con cuatro horas de luz al día, un idioma completamente ajeno, etc, fueron factores determinantes para enfocarme en la alteración que puede sufrir la percepción del tiempo y espacio aún en la misma planeta.” Aglae Cortés

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

Aglae Cortés

(Los otros) recuerdos del futuro (déjà vu No.11)

2017
Archival pigment print
Edition of 5 + 2 A.P.

42 x 62 cm

More
View in Room
inquire

“Vivimos en un contexto social, politico y cultural incierto. Los acelerados avances tecnológicos no siempre van de la mano con el avance del pensamiento, lo que genera una fuerte sensación de terra-incógnita sobre el futuro. (Los otros) recuerdos del futuro es un cuerpo de trabajo de largo aliento que inició el año pasado a partir de una residencia artística en Fiskars, Finlandia y pretende desarrollarse en diferentes latitudes. Las condiciones territoriales en extremo opuestas a mi cotidianidad, un pequeño pueblo de 50 habitantes y culturalmente fríos, en pleno invierno polar, con cuatro horas de luz al día, un idioma completamente ajeno, etc, fueron factores determinantes para enfocarme en la alteración que puede sufrir la percepción del tiempo y espacio aún en la misma planeta.” Aglae Cortés

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

Aglae Cortés

(Los otros) recuerdos del futuro (déjà vu No.19)

2017
Archival pigment print
Edition of 5 + 2 A.P.

42 x 62 cm

More
View in Room
inquire

“Vivimos en un contexto social, politico y cultural incierto. Los acelerados avances tecnológicos no siempre van de la mano con el avance del pensamiento, lo que genera una fuerte sensación de terra-incógnita sobre el futuro. (Los otros) recuerdos del futuro es un cuerpo de trabajo de largo aliento que inició el año pasado a partir de una residencia artística en Fiskars, Finlandia y pretende desarrollarse en diferentes latitudes. Las condiciones territoriales en extremo opuestas a mi cotidianidad, un pequeño pueblo de 50 habitantes y culturalmente fríos, en pleno invierno polar, con cuatro horas de luz al día, un idioma completamente ajeno, etc, fueron factores determinantes para enfocarme en la alteración que puede sufrir la percepción del tiempo y espacio aún en la misma planeta.” Aglae Cortés

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

Aglae Cortés

(Los otros) recuerdos del futuro (déjà vu No.17)

2017
Archival pigment print
Edition of 5 + 2 A.P.

42 x 62 cm

More
View in Room
inquire

“Vivimos en un contexto social, politico y cultural incierto. Los acelerados avances tecnológicos no siempre van de la mano con el avance del pensamiento, lo que genera una fuerte sensación de terra-incógnita sobre el futuro. (Los otros) recuerdos del futuro es un cuerpo de trabajo de largo aliento que inició el año pasado a partir de una residencia artística en Fiskars, Finlandia y pretende desarrollarse en diferentes latitudes. Las condiciones territoriales en extremo opuestas a mi cotidianidad, un pequeño pueblo de 50 habitantes y culturalmente fríos, en pleno invierno polar, con cuatro horas de luz al día, un idioma completamente ajeno, etc, fueron factores determinantes para enfocarme en la alteración que puede sufrir la percepción del tiempo y espacio aún en la misma planeta.” Aglae Cortés

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

Mariana Corcuera

Origen

2013
C-Print on Dibond
Ed. of 5

112 x 62 cm

More
View in Room
inquire

La contemplación del jardín realizada por Corcuera rinde un homenaje a los nenúfares y flores del pintor francés Claude Monet, el artista más representativo del Impresionismo de mitades del siglo IXX. Con una minuciosa atención a los reflejos de la luz, los colores, las texturas del agua y el encuadre, Mariana utiliza las herramientas de la fotografía contemporánea para pintar con luz, obteniendo imágenes que recuerdan la técnica pictórica característica del óleo impresionista. Sumergida en piscinas, acompañada de flores y un vestuario que hace volutas, para realizar esta serie más que más que contemplar la belleza, se imagina inmersa en ella sin saber con certeza el resultado hasta terminar la toma, pues se trata de un autoretrato. El resultado son los momentos eternos propios de la pintura y la fotografía que nos permite dejar de ser centro de percepción para confundirnos con el flujo del espacio y el tiempo.

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

Nicolás Janowski

Adrift in blue: Laberinto

2015
Digital print.
Ed. 3/7 + 2 P.A.

105 x 70 cm

More
View in Room
inquire

A drift in blue is a project by the Argentinean artist and anthropologist Nicolás Janowski focused on investigating the different imaginaries that have been forged around the archipelago of Tierra del Fuego from the sixteenth century to the present. Divided into five chapters and articulated through a book, a web page and a set of facilities, this project joints: fixed image, video, sound pieces as well as poetry and was made with a team of collaborators. Through this multiplicity of resources and solutions, Janowski reviews different narratives that link the archipelago located in the extreme south of the continent with the imaginary of the end of the world, as a territory geographically distant and marked by severely adverse conditions. Janowski divides A drift in blue into five chapters, in which different characters or events play a central role. Chapter 1, "The limit" is about the meeting and the first cartographies of the archipelago, such as that made by Captain Francisco de Hoces, in which this insular, maritime and Antarctic territory appears as a mixture of reality and fantasy. The second chapter, "El Oro", addresses its initial period of exploration through the chronicles of characters such as Captain James Cook. These explorations set the stage for the expansion of the European colonial enterprise. "The end", title of chapter 3, is related to these processes through a revision of the evangelizing missions and figures such as Martín Gusinde. The photographic work of Viennese priest and ethnographer Gusinde, between 1918 and 1924, speaks of the processes that transformed native communities of Tierra de Fuego from certain colonial policies. The fourth chapter, "The Flight" focuses on the history of Tierra del Fuego as a suitable site for a high security prison and deals with the figure of the Ukrainian-Argentinean anarchist Simón Radowitzky who, after escaping from the Ushuaia jail, left fight in the Spanish Civil War on the Republican side and later, he lived in Mexico until his death. "Los últimos" is the final chapter and presents a current scenario in which extreme conditions prevail together with an increasing instrumental exploitation of natural resources. In their totality, these narratives dialogue and communicate among themselves, conjugating an idea of ​​the end of the world as a place of exploitation, of extremes, as a place that seems to be at all times on the verge of extinction. For A drift in blue, Janowski uses photography as documents "halfway between reality and fiction". The artist seems to integrate on each of his images different perspectives, knowledge and knowledge about the situations he investigates. The documentary aspect of photography, in this sense, seems to be upset with this perspective that challenges the existence of only one way of understanding reality; a position that resonates with his training as an anthropologist. Janowski is committed to a vision that is not limited to a positivist understanding of culture, associated with direct photography of a documentary nature. Plastically, this kind of indetermination in the meaning of the image is achieved in photography through multiple exposures, use of artificial light and flashes as well as an accentuated use of blue gelatins that increase the level of abstraction. The preponderance of this tone not only seeks to relate to the extreme conditions of the archipelago, but also to locate the Tierra del Fuego space within a specific affective condition, as a melancholic scenario. Hence the game of meanings that the title of the project in English may suggest. For this exhibition at Almanaque fotográfica, Janowski presents a set of photographs as well as an installation that presents video and documentary material of A drift in blue - a piece that expresses the transmedia character of this project, which covers its different forms of assembly. The printed photographs belong to the different chapters that present imaginaries of the end of the world. In one, for example, you can see an image that can be identified with the Sacred Heart. Belonging to "The End", this photograph records a detail found in the ruins of the Estancia María Behety established by the Salesian Order in 1897. The double exposure of the photograph overturns the religious imaginary in order to present a critique of the processes of colonization imposed by the order on the local selknam and yámana populations. Daniel Garza Usabiaga. Mexico City, October, 2018.

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

Manolo Márquez

Sin título (gualdo-cetrino)

2019
C-Print
Unique Edition

35 x 48 cm

More
View in Room
inquire

El trabajo de Manolo Márquez aborda la fotografía como objeto que representa a otros objetos, atrapándolos para devolverlos al espectador en una aparición lumínica. Su serie más reciente consiste en impresiones únicas creadas en el cuarto oscuro de color con las que explora las posibilidades de la reproducción cromática y el registro del tiempo, emulando prácticas modernistas de hace un siglo con un acercamiento contemporáneo. En sus imágenes hay fondos fusionados con siluetas de objetos en movimiento realizados sin la mediación de una cámara, en un juego de luz y sombra, tiempo y química, precisión y azar. Al cuestionarse qué hace que una imagen sea considerada una fotografía, Márquez propone el uso del lenguaje visual de la pintura para crear objetos únicos que habitan en un línea media entre el discurso pictórico y la inmediatez fotográfica.

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

Manolo Márquez

Sin título (gualdo-cetrino)

2019
C-Print
Unique Edition

35 x 48 cm

More
View in Room
inquire

El trabajo de Manolo Márquez aborda la fotografía como objeto que representa a otros objetos, atrapándolos para devolverlos al espectador en una aparición lumínica. Su serie más reciente consiste en impresiones únicas creadas en el cuarto oscuro de color con las que explora las posibilidades de la reproducción cromática y el registro del tiempo, emulando prácticas modernistas de hace un siglo con un acercamiento contemporáneo. En sus imágenes hay fondos fusionados con siluetas de objetos en movimiento realizados sin la mediación de una cámara, en un juego de luz y sombra, tiempo y química, precisión y azar. Al cuestionarse qué hace que una imagen sea considerada una fotografía, Márquez propone el uso del lenguaje visual de la pintura para crear objetos únicos que habitan en un línea media entre el discurso pictórico y la inmediatez fotográfica.

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

Manolo Márquez

Sin título (gualdo-cetrino)

2019
C-Print
Unique Edition

35 x 48 cm

More
View in Room
inquire

El trabajo de Manolo Márquez aborda la fotografía como objeto que representa a otros objetos, atrapándolos para devolverlos al espectador en una aparición lumínica. Su serie más reciente consiste en impresiones únicas creadas en el cuarto oscuro de color con las que explora las posibilidades de la reproducción cromática y el registro del tiempo, emulando prácticas modernistas de hace un siglo con un acercamiento contemporáneo. En sus imágenes hay fondos fusionados con siluetas de objetos en movimiento realizados sin la mediación de una cámara, en un juego de luz y sombra, tiempo y química, precisión y azar. Al cuestionarse qué hace que una imagen sea considerada una fotografía, Márquez propone el uso del lenguaje visual de la pintura para crear objetos únicos que habitan en un línea media entre el discurso pictórico y la inmediatez fotográfica.

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

Manolo Márquez

Sin título (grana-bruna)

2019
C-Print
Unique Edition

35 x 48 cm

More
View in Room
inquire

El trabajo de Manolo Márquez aborda la fotografía como objeto que representa a otros objetos, atrapándolos para devolverlos al espectador en una aparición lumínica. Su serie más reciente consiste en impresiones únicas creadas en el cuarto oscuro de color con las que explora las posibilidades de la reproducción cromática y el registro del tiempo, emulando prácticas modernistas de hace un siglo con un acercamiento contemporáneo. En sus imágenes hay fondos fusionados con siluetas de objetos en movimiento realizados sin la mediación de una cámara, en un juego de luz y sombra, tiempo y química, precisión y azar. Al cuestionarse qué hace que una imagen sea considerada una fotografía, Márquez propone el uso del lenguaje visual de la pintura para crear objetos únicos que habitan en un línea media entre el discurso pictórico y la inmediatez fotográfica.

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

Jorge Miño

Nebulosa: S/T

2017
Archival pigment print
Ed. of 3/5 + 2 A.P.

123 x 150 cm

More
View in Room
inquire

La fotografía de Miño se construye forma onírica. Inducen a soñar con la arquitectura y los espacios que habitamos a partir de imágenes que, en todo momento, están a punto de convertirse en otra cosa. A través de veladuras y transparencias, se revelan para nosotros en una suerte de visión endoscópica. Las construcciones se sondean como las cavidades ocultas de un cuerpo, del que emerge un mundo íntimo: el paisaje interior de las edificaciones. Se trata de visiones que corroen el sentido común, también denuncian aquello que reprimen las estructuras formales del espacio: la alteridad en la identidad, lo espectral en lo sólido, el vacío en lo lleno, lo abstracto que se esconde en lo muy concreto. Al prescindir de toda aparición de la figura humana, queda al desnudo la propia morfología del espacio arquitectónico. La sensualidad de la forma se refuerza una vez que se ha desmaterializado todo lo que la hizo posible. 

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

Ricardo Nicolayevsky

Lost Photos 05

1989
Archival Pigment Print
Ed. 7 +2 A.P.

24 x 16 cm

More
View in Room
inquire

Para Splash of Light, Nicolayevsky presenta obra variada que pertenece a distintas series y épocas, producida a partir de los procesos de abstracción propios del surgimiento, del surrealismo y las primeras vanguardias del arte traducidas a nuestros tiempos; collage con material fotográfico, dobles exposiciones y foto intervenida. “Uno de los artistas más representativos de su generación, su obra pertenece a las colecciones del MoMA y MUAC. Sus obras multidisciplinaria funciona como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra y a la imagen. Un mundo público y privado capturado desde hace 35 años —en un Nueva York y una Ciudad de México ya inexistentes— que se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora..." Corina Koch, Curadora.

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

Ricardo Nicolayevsky

Roma 1993

1993
Foto 35mm taken and cut by the artist
Unique Edition

34 x 40 cm

More
View in Room
inquire

Para Splash of Light, Nicolayevsky presenta obra variada que pertenece a distintas series y épocas, producida a partir de los procesos de abstracción propios del surgimiento, del surrealismo y las primeras vanguardias del arte traducidas a nuestros tiempos; collage con material fotográfico, dobles exposiciones y foto intervenida. “Uno de los artistas más representativos de su generación, su obra pertenece a las colecciones del MoMA y MUAC. Sus obras multidisciplinaria funciona como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra y a la imagen. Un mundo público y privado capturado desde hace 35 años —en un Nueva York y una Ciudad de México ya inexistentes— que se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora..." Corina Koch, Curadora.

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

Ricardo Nicolayevsky

No Foto: S/T

1989
Archival Pigment Print
Ed. of 3

38 x 41 cm

More
View in Room
inquire

Para Splash of Light, Nicolayevsky presenta obra variada que pertenece a distintas series y épocas, producida a partir de los procesos de abstracción propios del surgimiento, del surrealismo y las primeras vanguardias del arte traducidas a nuestros tiempos; collage con material fotográfico, dobles exposiciones y foto intervenida. “Uno de los artistas más representativos de su generación, su obra pertenece a las colecciones del MoMA y MUAC. Sus obras multidisciplinaria funciona como el túnel del tiempo de un proceso poético que trasciende a la palabra y a la imagen. Un mundo público y privado capturado desde hace 35 años —en un Nueva York y una Ciudad de México ya inexistentes— que se traslada de lugar y época para renacer aquí y ahora..." Corina Koch, Curadora.

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

Iluikak: Árbol blanco

2016
Ed. 3 + 2 A.P.
Backlint print in lightbox

45 x 30 cm

More
View in Room
inquire

“Iluikak” (2016-18) most recent oeuvre of the photographer and solo show in ALMANAQUE, developed in the mountains of the sierra Zongolica, Veracruz. When the Mexican photographer first traveled to the region in 2016, she found a territory of vast nature, and abundant in culture, in this area mostly inhabited by the Nahuas people. The relationship between the original communities and nature triggered her interest to decode human rituals through photographic composition, creating a new one at the time of the image capture inserting new symbolic elements; in order to show new meanings of the socio- cultural and natural structures that the sierra shelters. “Iluikak”, is the photographer’s personal gaze of the mysticism that shapes the relationships between nature, identity and territory, in which color and lighting are fundamental, giving specificity to the body of works conforming the exhibition.

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

Iluikak: Remojo

2016
Ed. 7 + 2 A.P.
Fine Art Print

40 x 26.6 cm

More
View in Room
inquire

“Iluikak” (2016-18) most recent oeuvre of the photographer and solo show in ALMANAQUE, developed in the mountains of the sierra Zongolica, Veracruz. When the Mexican photographer first traveled to the region in 2016, she found a territory of vast nature, and abundant in culture, in this area mostly inhabited by the Nahuas people. The relationship between the original communities and nature triggered her interest to decode human rituals through photographic composition, creating a new one at the time of the image capture inserting new symbolic elements; in order to show new meanings of the socio- cultural and natural structures that the sierra shelters. “Iluikak”, is the photographer’s personal gaze of the mysticism that shapes the relationships between nature, identity and territory, in which color and lighting are fundamental, giving specificity to the body of works conforming the exhibition.

Please provide name and email for information


5.00 m 3.00 m

Approximate view with unframed print. Ask for exact available dimensions

x

A photograph as the portrait of the real is quite arguable if it is done without thinking on the captured object, but the shape of light instead.

An abstract image -proof of the inability of the medium to reproduce the real- creates a fiction for our imagination only.

Through the strategies of abstraction, the photographer as an artist triggers in the spectator a set of sensations closer to those attributable to visual arts (and even to performing as it occurs with contemporary ballet or music); creating subtle, ample and personal emotions that escape to the reason or to any predictive algorithm. Abstraction is human.

Since those more than 100 years in which Lázló Moholy-Nagy produced his praised non-figurative analogical photographs, to Wolfgang Tillmans’ gigantic digital Freischwimmers, what we call abstract has changed in the realm of photography and the other arts.

Splash of Light brings together a set of contemporary works by Latin American awarded artists, prowling the abstraction to think of their images as three-dimensional objects emerging from the virtual; in which the portrayed means something different.

These enigmatic pieces by Aglae Cortés, Mariana Corcuera, Nicolás Janowski, Jorge Miño, Manolo Márquez and Mara Sánchez Renero -who also have large figurative bodies of works- seem to be drawn by wind gusts or splashes of light.

A century ago with the emergence of abstract art, we liberated ourselves from a descriptive narrative. Lázló Moholy-Nagy pointed out: "The instrument of the photo is not the camera but the plane where something is revealed" and Mallarmé demanded to the artists: "do not report" in order to stimulate the poetic mystery of human’s mind translating sensations from of colors, shapes and textures in those observers who, both then and now, wish to imagine new realities in art, their lives and the world.

 

Arturo Delgado. Mexico City, 2019